Erika Pluhar: Hedwig heißt man doch nicht mehr. Residenz Verlag

„Hedwig saß am Fenster und sah in den Hinterhof hinaus. Der war lichtlos und grau, wie damals, als ihre Großmutter hier saß und hinausschaute.“

So beginnt der bedrückende Roman über Großmutter Hedwig und ihre gleichnamige Enkelin. Nach dem Tod der Eltern wird die 12jährige Hedwig von ihrer Großmutter erzogen. Vielleicht nicht mit offen gezeigter Liebe, aber sicher mit Sorge und einer Liebe, die unter der Kruste wirkt. Strenge Regeln gibt es, oberstes Prinzip für das Kind: brav sein und in der Schule Erfolg haben. Dem folgt Hedwig ohne Murren, sie besteht die Matura mit Auszeichnung, studiert an der Universität Wien Publizistik. Die Großmutter ist stolz auf ihre Enkelin. Die aber haut bei Nacht und Nebel ohne Abschied und ohne Gruß ab und rührt sich 25 lange Jahre nicht bei ihrer Großmutter. Das ist die Ausgangslage, die der Leser erst einmal verdauen muss. Eine Ungerührtheit und Eiseskälte. Keine Nachfrage von der Enkelin, ob die Großmutter noch lebt, gesund ist. Nur durch Zufall erfährt sie, dass die Großmutter vor zwei Jahren gestorben ist und ihr die Wiener Wohnung in der Josefstadt vermacht hat.

Nun sitzt also die Enkelin nach mehr als 25 Jahren auf dem Sessel der Großmutter und schaut auf den grauen Hinterhof. Der Leser ist neugierig, wie diese 51 jährige Hedwig ihren grausamen Abgang sieht, ob sie nachforscht, wie es der alten Frau ergangne ist. – nix da. Sie reflektiert ihr ach so trauriges Leben in Berlin, Hamburg und Lisabon, erzählt ihrer Großmutter sozusagen als Wiedergutmachung das Auf- und Ab ihrer Befindlichkeiten in den letzten 25 Jahren. Während sie diese Rückschau auf die Vergangenheit schreibt, meldet sich hartnäckig und sehr verständnisvoll ein Mann bei ihr an. Er lädt sie zum Essen ein oder kocht für sie, aber nur wenn es Hedwig genehm ist. Spielt ihr Musik vor, aber nur solche, die Hedwig mag. Kurz – ein Mann wie aus einem Bilderbuch, oder wie die Wiener auch sagen: wie aus dem Backofen gebacken.

Irgendwie lässt einem der Roman unbefriedigt zurück. Denn diese Lebensbeichte Hedwigs nützt der toten Großmutter aber schon gar nichts. Die Enkelin schreibt alles nieder als eine Art Selbsttherapie, ohne dass auch nur ein Hauch von Frage, wie wohl die alte Frau mit diesem Abgang fertig geworden wäre. in ihr aufkeimt.

Wie sie diesen “ Wundermann“ behandelt – man könnte sagen abkanzelt – und der trotz allem immer wieder kommt, auch das wirkt irgendwie lebensunecht. Wollte uns Pluhar die Kälte einer Generation vor Augen führen, der Empathie und Mitdenken fehlen? .

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Kammerspiele der Josefstadt: Ionesco, Der König stirbt

König: Bernhard Schir. Lore Stefanek: 1. Gemahlin des Königs. Maria Köstlinger: 2. Gemahlin des Königs, Julchen: Johanna Mahaffy., Johannes Krisch und Marcus Bluhm in kleinen Rollen.

® Philine Hofmann

Regie: Claus Peymann.

Bühnenbild und Licht: Achim Freyer

Kostüme: Margit Koppendorfer

Er will nicht sterben, denn er ist König und denkt, er bestimmt über seinen Tod, wie und wann er will. Aber der König ist Mensch, daher sterblich., und der Tod gehorcht nicht dem Gebot des Menschen. Also sucht der König , ähnlich wie König Admet (Euripides: Alkestis) einen Stellvertreter, der für ihn stirbt. Dass sich niemand meldet, ist klar. Anders als im „Jedermann“ wollen ihn beide Gemahlinnen bis zum Tod, aber eben nur bis zur Schwelle des Todes begleiten.Eifersüchtig streiten sie um diese „Ehre“. Nach Eindreiviertelstunden stirbt er langsam und mühevoll. Da haben schon längst einige Zuseher den Raum verlassen. Denn es zieht sich, bis der König stirbt. Den Wiederholungen der Sätze und Handlungen geht der Witz ab.

Anders als in den Dramen „Die Stühle“ ( 2019 im Akademietheater von Claus Peymann und Leander Haußmann inszeniert und von Maria Happel und Michael Maertens großartig gespielt!) oder in „Die kahle Sängerin“ (beide Stücke werden seit Jahren in Paris en suite im Théâtre de la Huchette mit Erfolg gespielt), wo Ionesco mit absurden, auf die Spitze getriebenen Witz gesellschaftliche Malaisen aufs Korn nimmt, nimmt er sich in „Der König stirbt“ eines tragischen Themas an, das er nur sehr mühevoll, leider mit allzu wenig Witz aufpäppelt. Und es stellt sich die Frage, ob in Zeiten der Coronakrise, wo alle Medien das Thema „Sterben“ auswälzen, es klug ist, ein Stück wie dieses auf die Bühne zu bringen.

Die Schauspieler geben ihr Bestes. Allen voran Bernhard Schir als raunzender König, der gar nicht einsehen will, dass er sterben muss, schon gar nicht „mit Würde“, wie es seine strenge, nonnenhafte 1. Frau (Lore Stefanek) von ihm fordert. Maria Köstlinger muss als 2. Frau die noch immer Jungverliebte spielen. Johannes Krisch in diversen Rollen, vor allem als kaltblütiger Arzt, und Marcus Bluhm als treuer Wächter in Ritterrüstung haben auch nicht viel zu melden.

Freundlicher Applaus von dem Teil des Publikums, das bis zum Schluss ausharrte.

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Staatsoper: im siebten himmel

Aufführung: 19. November 2021

marsch,walzer. polka

Musik: Vater und Sohn Johann Strauß, Josef Strauß, Choreographie: Martin Schläfer- Bühne und Kostüme: Susanne Bisovsky

Sinn und Stilrichtung des Titels „im siebten himmel“ treffen vor allem oder eher „nur“ auf den ersten Teil des Abends zu: Wenn Martin Schläpfer ohne Angst vor Süße mit einer leichten, spritzigen Choreographie das Publikum verzaubert. Tatkräftig geholfen hat ihm dabei Susanne Bisovsky: Vor einem melancholischen Bild der Donauauen tanzen ihre heiter- witzigen Kostüme, mal in weiten Rosenröcken oder in körpernahen schwarzen Spitzen

Mit viel Humor lässt Martin Schläpfer seine Figuren tanzen, hopsen, sich zu Figurenknäuel fügen und irgendwie sich wieder auflösen. Manchmal sieht man mehr Zirkusakrobatik als Ballett. Mit dem starken Akzent auf Beine und Arme erzielt Schläpfer Kombinationen, Figuren, die mit einem kleinen Wink des Fußes den Witz einladen, mitzutanzen. Beeindruckend das Solo von Katevan Papava. Präzision und Innerlichhkeit des Tanzes sind ihr Markenzeichen.

In den „Sphärenklängen“ verstärkt Schläpfer die Komik, besonders durch das Clownpaar, hervorragend unbeholfen, genial- hilflos getanzt von Fiona McGee und Cologero Falla s. Bild unten:

Fiona McFee, Calogero Failla ® Ashley Taylor

fly paper bird – uraufführung

Musik: Aus der 5. Symphonie von Gustav Mahler

Choreographie:Marco Goecke

Gedicht: Mein Vogel von Ingeborg Bachmann

® Ashton Taylor

Man sieht Tänzer, die mit den Armen, Oberkörper und Kopf zucken, kreisen, rucken, zittern. Als ginge gerade die Welt unter und diese Figuren seien die letzten Überlebenden. Das zu der eindringlichen Musik Mahlers. Dazwischen hört man nur leise, fast kaum verstehbar, Wortteile aus dem Bachmanngedicht. Am Ende liegen die Tänzer bis zur Taille von den Flügeln des Vogels begraben. Ist es dieNatur, die sterbend über die Menschen sich senkt? Rätselhaft. Man bewundert die Leistung der Tänzer! Aber so mancher fragt sich – auch die Schreiberin der Zeilen – warum diese „Anti-Choreographie“? Vielleicht als Kontrast zum ersten und letzten Teil dieser Trilogie.

symphony in c

Musik: Symphonie C-Dur von Georges Bizet

Choreographie: George Balanchine ® The school of American Ballett

Klassisch: Vor azurblauem Hintergrund Tänzerinnen im weißen Tütü und Tänzer im eleganten schwarzen Samt. Spitze, Spitze im besten Sinn, Balanchine feiert die Hochklassik des Balletts.

Liudmila Konovalova und Alexey Popoy ® Ashley Taylor

Eine Spitzenleistung des gesamten Ensembles. Genuss pur für die Zuseher!

Viel Applaus, besonders auch für Patrick Lange, der das Orchester und die Tänzer behutsam durch den Abend führte.

Die Schreiberin ist neugierig auf das erste Handlungsballett von Martin Schläpfer.

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Volksoper Wien: Der Rosenkavalier.

Aufführung: 17. November 2021

Musik: Richard Strauss, Text: Hugo von Hofmannsthal. Eine Koproduktion mit dem Theater Bonn.

Gleich vorweg: Diese Rosenkavalierproduktion gehört zu den besten der letzten Jahre! Großartige Sänger, allen voran Jacquelyn Wagner als Marschallin und Emma Sventelius als Octavian,.großartige Bühnenbilder (Johannes Leiacker) und eine Regie, weitab von der allgemein gängigen Mode – will heißen: keine überkandidelten Regieeinfälle- sondern alles passt zu Musik und Text. (Regie und Licht: Josef Ernst Köpplinger). Kostüme, die zur Entstehungszeit, knapp vor dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs, passen: Dagmar Morell. Und ein Dirigent, der die romantisch-melancholischen Klänge gekonnt mit den scharfen Akzenten der Moderne, den „Widerhaken“, wie er sie nennt, rüberbringt: Hans Graf.

Jacquelyn Wagner als Marschallin ® Barbara Palffy/Volksoper Wien

In einem Salon mit Rosentapeten und blinden Spiegeln kost ein stürmischer Oktavian die Marschallin und merkt nicht die leichte Zurückhaltung der Geliebten. Schon diese Eingangsszene ist eine der vielen Kostbarkeiten dieser Inszenierung. Emma Sventelius – sie wurde als einzige aus der Bonner Inszenierung übernommen- gibt glaubhaft in Gestalt, Spiel und Gesang einen jungen Mann, der seine erotischen Wünsche ausleben möchte. Die Bettszene wirkt deshalb in keiner Minute peinlich oder abgeschmackt, wie das oft der Fall ist, wenn Octavian eine recht weiblich bis füllige Sängerin ist. Wie nun Jacquelyn Wagner die Marschallin gibt, ist ganz große Schausspiel- und Gesangeskunst. Zurückhaltend, romantisch und frei von Larmoyanz. Und so auch ihre Selbstbetrachtung vor einem blinden Spiegel, der die Spuren der Zeit gnädig mildert. Die weltberühmte Arie „Die Zeit ist ein sonderbar `Ding“ zählt zu den schönsten Momenten der ganzen Oper. Weise vorausschauend sendet sie Octavian als Brautwerber, wissend, dass er auf die reizende junge Sophie ( ganz bezaubernd: Beate Ritter) treffen und dass zwischen den beiden der erotische Funken überspringen wird. Bewusst lenkt die Marschallin Octavian von sich weg. Ob der Abschied leichter wird, wenn er von ihr bestimmt wird? – Allerdings lädt sie Octavian und Sophie, die am Ende ein Paar sind, in ihre Kutsche ein. Ganz wird sie den Geliebten wohl nicht aus den Augen verlieren….Bis es allerdings zu dem versöhnlichen Ende kommt, haben Hofmannsthal und Strauss noch eine Riesenburleske und Intrige rund um den Ochs von Lerchenau (Franz Hawlata) eingebaut. Diese Szenen füllen der Regisseur und Dirigent mit vielen Überraschungsmomenten. Wein- Walzerseligkeit, Bosheiten, Lug und Trug der „vornehmen“ Gesellschaft tun sich auf, dazwischen der zögerliche Octavian und die verzweifelte Sophie. Das ist der Stoff, aus dem eine gute Komödie geschaffen ist. Wenn dazu noch die messerscharfe und streichelweiche Musik kommt, dann ist das Vergnügen pur. Den Reim auf diese „Sozialsatire“ kann sich jeder Zuschauer selber machen, muss aber nicht. Denn Gott sei Dank hat der Regisseur eine mögliche gesellschaftsrelevante Kritik ganz ohne erhobenen Zeigefinger inszeniert.

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Theater Akzent: Stefano Bernardin als Hamlet

Für Text, Dramaturgie, Bühne und Regie gemeinsam verantwortlich: Stefano Bernardin und Hubsi Kramar

Keine Angst, so düster wie Stefano auf dem Foto dreinschaut, wird der Abend nicht. „Wenn zwei so Verrückte wie wir eine Idee haben, dann wird es ziemlich schräg!“, sagt Stefano Bernardin in einem Gespräch mit der Schreiberin dieser Zeilen. Und weiter: „Seit Sommer sitze ich und lerne alle Rollen.“

Und es wurde ein ganz besonderer Abend: Bernardin schlüpfte in die Rolle des Hamlet, des fiesen Claudius, der den Bruder umbringen lässt, er ist der kriecherische Polonius – er ist einfach: alle , alle. Von einer Sekunde auf die andere wechselt er Körperhaltung, Stimme und Mimik. Es gelingt ihm von dem jungen Hamlet übergangslos in die Rolle des miesen Onkels Claudius zu schlüpfen. Dazu genügen ihm eine Papierkrone und der rote Prunksessel.

Wo bleiben die Frauen? – die werden dezent angedeutet. Mutter Gertrude wachelt nervös mit den Händen, Ophelia bleibt unsichtbar, wird nur schroff ins Kloster geschickt. Ein ganz besonderes Gustostückerl ist die Auseinandersetzung mit den fiesen Heuchlern Rosenkranz und Güldenstern: Wie Bernardin alle drei auf die Bühne bringt, das muss man gesehen haben!!! Ein Hüpfer, ein Dreher mit dem Kopf, eine neue Mundstellung – und schon wird aus Hamlet Güldenstern oder Rosenkranz. Es darf gelacht werden!!! Und es wird gelacht. Auch über eindeutig -zweideutige Hinweise auf die momentane politische Situation in unserem Land. Da spürt man deutlich die Handschrift des „alten“ Polithaudegens Hubsi Kramar!

Aber die Tragödie bleibt nicht aus: Bernardin spielt Hamlet als den Unentschlossenen, der am Ende durch sein Zögern die Rache in Schuld umwandelt, eine Schuld, die er durch Selbstmord tilgt.

Großartig sein berühmter Monolog: Schlicht, ohne Pathos.

Großartig sein Spiel am Schlagzeug, wo er seine innere Wut abragiert.

Großarig sein Gesang und Spiel auf der Gitarre, in dem er seine Sehnsucht nach Liebe ausdrückt.

Und das Publikum applaudierte mit Begeisterung. Es gab standing ovation!

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Tone Fink: ARCHE.TONE

Texte: Max Lang

Ganz ungewöhnliche Tierzeichnungen. Zwischen Schmunzeln und Gruseln blättert man Blatt für Blatt um. Gerade in der Abgeschlossenheit des Corona-Lockdowns, die Tone Fink „Krönchenzeit“ nennt, packten ihn „stark bedrohte Tierfotografien am Schlafittchen“. Entstanden ist eine Serie von Tierzeichnungen, die den Betrachter an- und auslachen, wie die Katze auf dem Cover.

Ach, ich liebe sie alle. Gerade habe ich mich für die Katze als mein „Lieblingsbild“ entschieden, doch dann gefällt mir das Zieserl genau so, das innig und lebensfroh an einer Löwenzahnblüte riecht. Die Natur gehört mir, ruft es mir zu. Ja, hoffentlich noch lange…Haben Sie schon einmal einen Sifaka gesehen? Sicher nicht, er ist menschenscheu, klug und er kann nachts singen. Ich hätte ihm gerne zugehört. Weil das nicht möglich ist, vertiefe ich mich in die liebevoll-klugen Texte von Max Lang.

Wer ratlos ist, was er seiner Liebsten, seinem Liebsten zu Weihnachten oder zum Geburtstag schenken soll – dieses Buch wird ein Volltraffer sein!

Ein feines, hinterlistiges Wohlfühlgeschenk: Es macht den Schenkenden glücklich, weil es den Beschenkten beglückt.

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Mary S. Lovell: Das abenteuerliche Leben. Eine Biographie von Richard und Isabel Burton.

Aus dem Englischen übersetzt von Alfred Goubran

Braumüller Verlag 2020

Isabel Burton (1831-1896) war eine junge Frau aus bester Familie. Sie wünschte immer, sie wäre als Mann auf die Welt gekommen, um ein freies, selbstbestimmtes Leben führen zu können. Aus diesem Wunsch heraus heiratete sie gegen den Willen ihrer Famile 1861 den Orientalisten und Forschungsreisenden Richard Francis Burton (1821 – 1890) Mit ihm und auch allein unternahm sie abenteuerliche Reisen an den Amazonas, Arabien und Indien. Von 1869 bis 1871 lebte das Ehepaar in Damaskus, wo sie in Männerkleidung die Stadt erkundete. Immer wieder las, korrigierte und edierte Isabel die Schriften ihres Mannes, auch nach senem Tod.

Mary Lovell fächert auf mehr als 900 Seiten das interssante Leben der beiden Abenteurer auf. Alle Fakten sind bestens recherchiert. Eine lesenswerte Biographie, so man denn die Zeit aufbringt. Ein neuerlicher Lockdown sollte nicht der Grund sein, zu diesem Buch zu greifen, sondern eine gewisse Leseabenteuerlust!

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Sandro Veronesi: Der Kolibri.Zsolnay Verlag

Aus dem Italienischen von Michael Killisch-Horn

Marco Carrara ist Augenarzt. Vom Psychoanalytiker seiner Frau erfährt er, dass diese ihn mit einem Piloten betrügt und von ihm ein Kind erwartet.

Der Schock sitzt tief, wie ein im Netz gefangener Kolibri sucht Carrara nach einem Ausweg. Aber seit seiner Kindheit zieht er das Unglück an, ohne es wirklich zu verursachen. Er verliert Freunde, kämpft sein ganzes Leben lang um die große Liebe, gewinnt sie nur platonisch. Was immer er auch tut – und er bewegt sich viel und schlägt um sich – es will nicht gelingen. Im Nichtgelingen erinnert die Figur an den „Mann ohne Eigenschaften“ .

Trotz aller Lobeshymnen, die der Roman in Italien und auch im deutschsprachigen Raum einheimst, kann ich ihm nichts abgewinnen. Das liegt zunächst einmal an der leseunfreundlichen äußeren Form: seitenlange Aufzählungen, Gedanken ohne Absätze …da verlässt mich die Leselust.

Besonders die viel gelobte Erzählform – so man überhaupt von einer Form sprechen kann – verärgert mich. Veronesi bröselt das Geschehen in Zeitensprüngen, E-mails, Briefen, Erinnerungen, Personenwechsel, Listen auf. Das ermüdet. Ich fand den Romanstil quälend. Vor allem auch, weil er modisch ist. Das hätte ein Veronesi nicht nötig. Allzu viele in den letzten fünf Jahren erschienenen Werke bedienen sich der „Zertrümmerung“ des Erzählduktus. Da meldet sich bei mir sofort eine Stimme: „Nein, nicht schon wieder!“

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Landestheater Niederösterreich: Thomas Mann: Der Zauberberg

Inszenierung: Sara Ostertag, Bühne Nanna Neudeck, Kostüme Clio Van Aerde, Dramaturgie: Julia Engelmayer und Maria Muhar

Aus einer riesigen Röhre kriecht Hans Castorp (Tilman Rose) aus der „Unterwelt“ an die Oberwelt des Sanatoriums in Davos, hoch in den Bergen. Ein Riesending, das einer Krake oder den menschlichen Rippenbogen gleicht, füllt die Bühne. Zuallererst muss sich der Besucher mühevoll orientieren, wer wen darstellt. Denn mit Ausnahme von Hans Castorp, der eindeutig ein Mann ist, sind die anderen Personen nicht so leicht in ihrem Geschlecht identifizierbar. Also: Settembini wird von einer Frau gespielt (Bettina Karl) – übrigens ist ihre Aussprache am klarsten. (Oben auf dem Balkon konnte man viele Textstellen nur bruchstückhaft verstehen). Die schöne Clawdia Chauchat wird von Tim Breyvogel dargestellt. Eher als Frauenfigur abtörnend. Den Vetter Joachim spielt Marthe Lola Deutschmann. Dieses Vexierspiel mit der Genderproblematik darf ja in keiner Inszenierung mehr fehlen und wirkt schon ein wenig abgenützt.Alles nach dem Motto: Nichts darf so sein, wie es scheint.

Zu einer melancholischen Hintergrundmusik (Clara Luzia und Catharina Priemer-Hunpel) spielt man nun Sanatorium, besser sollte man sagen: Irrenanstalt. Denn was Sara Ostertag aus dem feinsinnigen Roman über den Untergang einer verkorksten Gesellschaft gemacht hat, schrammt gefährlich am Klamauk entlang. Da schlurft eine Art Yeti im schmutzigrauen Zottelfell über die Bühne, hüpft dem auf der Röhre Schlafenden auf die Brust, da kleckert der Arzt mit Farbe herum, spritzt die Röntgenbilder auf die Brust der Patienten, , taumeln die Figuren durch Nebelschwaden – die bis hinauf auf den Balkon trotz Maske zu riechen sind. Da wühlt ein leicht verwirrter Hans Castorp am Schluss in einem Plastikherz, später im Schnee. Was fehlt noch aus dem gängigen Repertoire des Regietheaters – ja, richtig, eine Anspielung auf die Homosexualität des Autors. Als Zuschauer ist man nur damit beschäftigt, all diese Pseudosymbolik zu hinterfragen. Der eigentliche Sinn des Romans wird durch krampfige Regieeinfälle vernebelt – im wahrsten Sinn.

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Theater Scala: Glorious! Komödie von Peter Quilter

Untertitel: Die wahre Geschichte der Florence Foster Jenkins, der schlimmsten Sängerin der Welt.

Deutsch von Horst Johannig. Inszenierung und Textfassung: Rüdiger Hentzschel. Musikalische Leitung: Fritz Fischer. Bühne: Rüdiger Hentzschel. Kostüme: Anna Pollak

Florence Foster Jenkins (1868-1944) wurde als Tochter eines reichen Großindustriellen in Philadelphia geboren. Schon als Kind entwickelte sie eine Leidenschaft für Musik und Gesang, allerdings gänzlich ohne Talent und Gehör. Sie wollte immer nur eines : singen. Was sie auch tat. In Nobelhotels, in den ersten Tonstudios. Gegen Lebensende mietete sie die New Yorker Carnegie Hall und malträtierte die Gehörgänge des dennoch begeisterten Publikums.

2013 sah und hörte man am Volkstheater die großartige Maria Bill in dieser Rolle. 2015 verkörperte mit dem Mut der Selbstverleugnung Maryl Streep diese Rolle. Subtil und vielschichtig zeigte sie die verletzliche und empfindsame Seite von Florence Foster Jenkins. An ihrer Seite ebenso großartig: Hugh Grant als Ehemann und Simon Helberg als Pianist Cosmee Mac Moon.

Gegen solche Schauspielkaliber anzutreten braucht Mut. Den hat Tania Golden im Übermaß. Man muss ihren körperlichen und stimmlichen Einsatz bewundern: Sie kreischt und schreit, was das Zeug hält (Ohrstöpsel sind hilfreich!). Wirbelt über die Bühne, tänzelt, lacht und gurrt, gibt eine selbstzufriedene Florence, selbstzufrieden mit sich und ihrem Gesang. Ganz so dümmlich war aber Florence Foster Jenkins nicht. Sie hatte gesundheitliche Probleme und war gehörig von Selbstzweifeln geplagt. Der Foster, die Tania Golden verkörpert, ist Kritik an ihrem Tun fremd, muss auch allen Personen, die um sie herum tänzeln, fremd sein: Rafael Wagner spielt den Pianisten Cosmee McMoon ebenso brav und einlienig wie auch Hendrik Winkler den Ehemann Beyfield. Claudia Marold muss als bewundernde Freundin den Kreis der Adorierenden vervollkommnen. Einzig Bettina Soriat als Dienstmädchen Maria und Alexandra Maria Timmel dürfen gegen diesen Stimmterror aufmucken.

Der Regisseur Rüdiger Hentschel setzt auf Klamauk und“ Komödie total“ und verzichtet gänzlich auf differenzierte Figurenzeichnung. Tiefe darf nicht erwartet werden. Aber das wollte das Publikum auch gar nicht. Begeisterter Zwischenapplaus nach den einzelnen „Arien“ und starker Beifall und Fußgetrampel am Schluss. Dem Publikum gefiel es. Und das zählt letztendlich. Das wusste ja schon die Foster seinerzeit!

http://www.theaterzumfuerchten/TheaterScala.at

Kammerspiele der Josefstadt: Brecht/Weill: Die Dreigroschenoper

Im Programm ist zu lesen: Unter Mitarbeit von Elisabeth Hauptmann – ein Hinweis, dass der Großteil der Arbeit für dieses Werk von Elisabeth Hauptmann geleistet wurde. Was Bert Brecht nicht so gerne zugab. Danke für diesen HInweis!

Die Bettler und Gauner sind in Frack und Zylinder gekleidet, nur manchmal blitzt ein Tatoo auf, so man es auf der dunklen Bühne überhaupt wahrnimmt. (Bühnenbild und Kostüme: Herbert Schäfer) Es herrschen Dauerdunkelheit und Nebel (London!), ein Nebel, der ziemlich unangenehm riecht, auch durch die Masken (leider) des Publikums dringt.

Die Aufführung (1. November 2022) war von keinem guten Stern begleitet: Herbert Föttinger( Peachum) und Marcello de Nardo (Kimball) konnten krankheitshalber nicht auftreten. Oliver Huether übernahm mit Buch in der Hand die Rolle des Peachum und machte seine Sache recht gut. Wer die Rolle des Hochwürden übernahm, war (mir) nicht klar.

Das Geschehen spielte sich auf zwei schrägen Stegen ab, zwischen denen die Figuren nicht immer ganz sprungsicher hin und hertanzen mussten. Die Musiker waren im Hintergrund platziert, dirigiert von Christian Frank, der vorne am Klavier saß. In dem verbleibenden Raum tanzten, wälzten und drehten sich Figuren in lasziv-erotischer Haltung – man sah viel gespreizte Damenbeine in die Luft ragen. Überhaupt setzte der Regisseur Torsten Fischer stark auf choreographische Effekte – die Figuren bewegten sich wie unter Wasser. Was in dem dichten Nebel recht beeindrucken konnte und über die langen Leerstellen zwischen den Gesangsnummern hinweghalf.

Gesanglich und schauspielerisch überragte Maria Bill als Celia Peachum alle. Sie traf den Weillschen Sound hundertprozentig und schuf ganz ohne Mühe eine Lotte-Lenya-Aura. Swintha Gersthofer war gesanglich eine überzeugende Polly, Susa Meyer eine lässige Spelunken-Jenny. Claudius von Stolzmann gab einen bürgerlichen Macky Messer, dessen Hinterhältigkeit und Gefährlichkeit zu wenig herauskamen. Dass er am Ende mit dem Kopf nach unten „gehängt“ werden sollte, erregte wohl bei den meisten Zusehern eher Mitleid mit dem armen Schauspieler als Bewunderung.

Dem Publikum gefiel es und sie honorierten besonders die Leistung der Einspringer.

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Albertina: Amedeo Modigliani.

Revolution des Primitivismus

Foto: Modigliani, Liegende Frau auf weißem Kissen

Anlässlich des 100. Todestages des Künstlers zeigt die Albertina eine interessante Schau seiner Werke und setzt sie in den Kontext mit anderen Malern wie Picasso, Derain oder Brancusi.

3066448 Head, 1911-12 (limestone) by Modigliani, Amedeo (1884-1920); Minneapolis Institute of Arts, MN, USA; Gift of Mr. and Mrs. John Cowles; Italian, out of copyright.

Während in Wien sich der Jugenstil ausbreitet, konzentrieren sich Künstler wie Modigliani oder Picasso auf die Kunst Westafrikas oder der griechischen Antike. Der „Primitivismus“ bricht mit allen akademischen Bildformen.

In seiner ersten Phase konzentriert sich Modigliani (1884-1920) auf die Skulptur und nimmt als Vorbild die griechische Antike und die Kunst Westafrikas. Er ist von den strengen, asketishen Formen: langgestreckter Hals und Kopf, spitzes Kinn, kleiner Mund, mandelförmige Augen.

Später wendet er sich der Malerei zu. Es entstehen weibliche Akte, die für Skandal und Aufregung sorgen. Immer mehr wendet er sich den Porträts zu, bleibt aber seinem strengen, fast entpersonalisierten Stil treu.

Foto rechts: Jeanne Hubuterne 1918 (® Albertina)

Die Ausstellung ist noch bis 9. Jänner 2022 zu sehen.

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Marco Bolzano, Wenn ich wiederkomme. Diogenes Verlag

Aus dem Italienischen von Peter Klöss

Marco Bolzano, einer der erfolgreichsten Schriftsteller Italiens, greift immer gesellschaftspolitisch relevante Themen auf. Und die setzt er dann in spannende Romane um. Diesmal geht es um die Frauen, die ihre Familie im Osten Europas verlassen und in Italien mit Altenpflege Geld verdienen, um ihren Kindern ein Studium zu ermöglichen.

Marco Bolzano schreibt den Roman aus drei Sichtweisen: Zunächst erzählt der kleine Manuel, wie es war, als seine Mutter ohne ein Wort, bei Nacht und Nebel, das Haus in einem rumänischen Dorf verließ. Ein Schock für Manuel, die ältere Schwester Angelica und den Ehemann Filip. „Wir haben im ganzen Haus nach Moma gesucht. Irgendwann haben wir sogar die Möbel von den Wänden gerückt, als hätten wir einen Ring verlegt.“ Auf den ersten Verlust folgt bald der zweite: der Vater macht sich ohne Adressenangabe aus dem Staub. Manuel, der zuerst mir Feuereifer in der Schule Bestnoten schreibt, verliert die Lust am Lernen, gleitet ab. Nur sein Großvater und Angelica halten ihn noch. Bald beginnt er die Telefonate seiner Mutter, ihre Geschenke zu hassen. Er borgt sich das Moped seines Freundes aus und fährt damit in einen versuchten Selbstmord.

Im zweiten Teil erzählt Daniela, die Mutter, wie es ihr in Mailand geht. Sie pflegt einen grantigen Alten. Dann einen Dementen. Windelwechseln, füttern, kochen, einkaufen ist ihr anstrengender Alltag. Nie angemeldet, keine Chance auf Fixanstellung. Das Heimweh und die Sorge um ihre Kinder bedrückt sie sehr. Als sie vom „Unfall“ ihres Sohnes erfährt, kehrt sie nach Rumänien zurück und bleibt am Bett ihres Sohnes, der im Koma liegt, so lange, bis er aufwacht. Liebevoll umsorgt sie ihn danach. Doch Manuel bleibt verschlossen.

Im dritten Teil erzählt die Tochter Angelica. Sie hat beschlossen, „so zu tun, als wär nichts“. Sich ablenken, fertig studieren und allein zurechtkommen ist ihre Devise. Das schafft Distanz. Vor allem zur Mutter. Nach dem Spitalsaufenthalt hilft sie ihr, Manuel aufzupäppeln. Doch irgendwann hat sie genug von der Helferrolle. Sie verlobt sich, heiratet und zieht nach Berlin. Ob die Familie je wieder eins wird, bleibt offen.

In einer schlichten und klaren Sprache gelingt es Bolzano, das Schicksal dieser Familie lebhaft vor Augen zu führen. Er versteht es, die drei verschiedenen Schicksale und ihre Verknüpfung, besser ihr Auseinandertriften, ohne Schuldzuweisungen zu beschreiben. Im Nachwort schreibt er: „So ist ein dreistimmiger Familienroman entstanden, in dem jedes Mitglied seine eigenen Entscheidungen trifft, aber auch mit denen der anderen klarkommen muss. „

Die Frauen, die weggehen, verdienen zwar gutes Geld, aber verlieren ihre Identität und riskieren den Zusammenhalt ihrer Familien. Ein berührendes Dokument unserer Gesellschaft, die die Pflege der Kranken und Alten den Frauen aus dem Osten überlässt.

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Zora del Buono, Die Marschallin. C.H.Beck Verlag

Zora del Buono beschreibt das Leben ihrer Großmutter, einer geborenen Ostan.. Diese verlebt ihre Kindheit mit vier Brüdern in Bovec im Isonzotal , weiß schon als Kind viel über den 1. Weltkrieg und die Schlacht am Isonzo. 1920 lebt sie in Berlin, ab 1932 in Bari mit ihrem Mann, dem berühmten Radiologen Prof. Pietro del Buono. Beide sind überzeugte Kommunisten, sie eine fanatische, er eher besonnener. Geld ist in Hülle und Fülle da, was sie aber nicht hindert an einen Kommunismus zu glauben, in dem alle im gleichen Wohlstand leben. Sie haben drei Söhne, Zora ist eher eine distanzierte Mutter. Kinder sind in ihrem politischen Leben und Agieren nicht einbezogen.

Die Autorin schildert mit einer nur mühsam zu lesenden Detailtreue die kleinsten Umstände, wie Zora ihr Haus in Bari plant und baut, bis hin zum Tafelsilber und der Kleidung , auch der der Dienstmädchen. Diese Detailtreue erregt den Verdacht, dass es der Autorin eher darum ging zu beweisen, wie genau sie recherchiert hat. Viel erfahren wir nicht über die Figuren selbst, auch Zora, die wegen ihrer Strenge und Herrschsucht „Marschallin“ genannt wird, bleibt eine nur oberflächlich wahrgenmmene Figur. Durch diese ausufernde Detailschilderungen werden die politische Ereignisse nur als Fakten angeführt, Ursachen und Hintergründe bleiben dunkel. Die wechselhaften Ereignisse , wie aufkommender Kommunismus, Kampf gegen Faschismus, Hitler, Mussolini, Nationalismus, Partisannenkrieg, Tito und Stalin stürzen über die Familie del Buono genau so rasant herein wie über den Leser, der bald beginnt, die Details zu überfliegen, um an die Kerne der Ereignisse zu kommen.

Im zweiten Teil überspringt die Autorin die Jahre zwischen 1948 und 1980. Viele Familienmitglieder sind tot, nur Zora lebt in Nova Gorica in einem Pflegeheim. Sie blickt zurück auf das Leben ihrer Familie. Da erst wird Zora zu einem Menschen aus Fleisch und Blut und Seele. Sie sirbt kurz vor ihrem Ehemann, der als Alzheimerpatient in einem Schweizer Sanatorium lebt und sich an niemanden aus seiner Familie mehr erinnert.

Ein interessantes Werk, das um so interessanter hätte werden können, wenn die Autorin sich mehr auf die Figurenzeichnung, die politischen Entwicklungen konzentriert und die vielen uninteressanten Details gekürzt hätte.

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Wiener Staatsballett: „a suite of dances“

Beitragsbild: „glass pieces“, Herrenensemble

„glass pieces“

Musik: Philip Glass, Choreographie: Jerome Robbins, Musikalische Leitung: Benjamin Pope

Bühnenhintergrund: Eine kleinkarierte Heftseite, passend zur minimalistischen, sich wiederholenden Musik. Davor das hektische Treiben einer Großstadt, ein Rennen, Gehen, ein Drehen: die große Kunst des ungeordneten Geordneten. Danach wechselt der Hintergrund auf zartes Azurblau. Es wird ruhiger im städtischen Treiben, Solopaare tanzen geometrisch angesetzte Hebefiguren, dann der mythisch anmutende Tanz von Claudine Schoch und Alexey Popov – es entstehen magische Momente, die an altägyptische Figuren erinnern. Die Welt hält den Atem an, zieht nur als Schatten im Hintergrund vorbei. Im dritten Teil zitiert Robbins wieder die Welt der Hektik: Vor demselben karierten Hefthintergrund wie im ersten Teil tanzen Mitlglieder des Ensembles nach dem hämmernden Rhythmus einer Maschine. Wie Roboter stampfen sie mit abgewinkelten Armen über die Bühne. Doch am Ende brechen Mädchen die starre Atmosphäre und lösen sie im leichten Tanz auf.

Jerome Robbins, begeistert von der repetitiven Musik Philip Glass‘, hat sich in dieser Choreographie auf das Leben im urbanen Raum konzentriert, dh. Wiederholung, Dynamik, Stress und der banale Alltag. Nur hin und wieder gibt es eine Insel der Ruhe. Großartige Leistung des Ensembles!

Duo Concertant

Musik: Igor Strawinski, Choreographie: George Balanchine

Das Klavier spielt Shino Takizawa, die Violine Fedor Rudin. Sonja Dvorak und Lorenzo Ferreira stehen als regungslose Zuhörer im Hintergrund und lauschen. Langsam setzen sie sich in Bewegung, ertasten die Möglichkeiten der Bewgung, um nach kurzer Zeit in einen fröhlichen Tanz zu fallen, ausgelassen wie auf einem Dorffest. Hüpfend wie Kinder, die einander das erstemal begegnen. Dann entschwindet das Mädchen. Auf der Suche nach ihr tastet der Junge im dunklen Raum, bis ein Lichtstrahl ihren Arm, später auch den Kopf beleuchtet. Er kniet in Anbetung vor ihr nieder. Ein wunderbares Bild der Innigkeit!

a suite of dances

Davide Dato (Foto: Ashley Taylor)

Musik: Johann Sebastian Bach. Choreographie: Jerome Robbins

Ein Dialog zwischen einem Violoncello (Ditta Rohmann) und einem Tänzer (Davide Dato)

Als Robbins diese Choreographie für den berühmten Tänzer Michail Baryschnikov entwarf (1976), waren sie beide in einer Schaffenskrise und wollten in Ruhe sich wiederfinden. Dieses einfache – nur auf den ersten Blick einfache – Stück zeigt einen Tänzer, der zwischen Erinnerung an getanzte Szenen sich wieer neu schaffen will. Dabei bleibt er im Kontakt mit der Cellistin – es soll nach Wunsch Robbins immer eine Frau spielen. Wie ein Bub, der ein Mädchen beeindrucken möchte, tanzt er vor ihr, probierend, verwerfend, tastend. Es sind keine spektakulären Sprünge und Drehungen, eher einfache Bewegungen, als müsste er seinen Körper ausprobieren. Diese Nuancen zu tanzen, verlangt großes Können. Davide Dato erntet in dieser Rolle langen, verdienten Applaus.

the concert

Musik: Fréderic Chopin, Choreographie: Jerome Robbins. Musikalische Leitung des Wiener Staatsopernorchesters: Benjamin Pope

Komik im Ballett ist nicht ungewöhnlich. Aber eine ganze Geschichte als witziges Tableau zu schaffen, ist sicher neu, glaubt man. Doch Robbins schuf diese Choreographie in den 1950er Jahren als eines seiner ersten Werke. Die Bildsprache ist deutlich, die Gestik der klassischen Pantomime abgeschaut.

Ein Klavierkonzert beginnt. Der Pianist (Igor Zapravdin) betritt das Podium. Umständlich rückt er den Klaviersessel zurecht, staubt die Tasten ab. Das Konzert kann beginnen. Nun betreten mit Sesseln in der Hand die allseits bekannten Typen von Konzertbesuchern: die Zuckerlpapierraschler, die Tratscherinnen, der schüchterne Jüngling, das streitende Ehepaar. Ein wildes Durcheinander an getanzten Eifersüchteleien und Bedrohungen entsteht, bis die eitle Ballerina (Elena Bottaro) das Heft an sich reißt und statt zuzuhören zu tanzen begkinnt. Es beginnt zu regnen, nach und nach spannen allle die Schirme auf und vereinen sich für Momente in einen Traumtanz unter den Schirmen. Plötzlich werden sie zu Schmetterlingen, flattern wild über die Bühne, bis der verärgerte Pianist sie mit einem Riesennetz einfängt.

Die Komik dieses Stückes liegt einerseits in den verpatzten Bewegungen, immer ist eine Figur zu spät, zu früh, weiß nicht wohin. Und natürlich in den zauberhaften Kostümen von Holly Hynes (nach Irene Sharaff).

Lang anhaltender Applaus und Bravorufe belohnen die Solisten und das ganze Ensemble.

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Mary Lawson, Im letzten Licht des Herbstes. Heyne Verlag.

Aus dem Englischen von Sabine Lohmann

Mary Lawsons Sprache ist sensibel, feingesponnen, psychologisch tief in Seelen hineinhorchend. Ihre Naturbeschreibungen schwingen im Gleichklang mit den Charakteren der Protagonisten.

Die siebenjährige Clara wartet, stundenlang am Fenster ausharrend, auf ihre vor Monaten verschwundene Schwester Rose. Vergeblich. Von den Eltern bekommt sie wenig Hilfe, sie sind in ihrem eigenen Kummer befangen. Die Nachbarin Elizabeth Orchard, zu der Clara ein inniges Verhältniss hat, kann ihr keinen Trost bieten, denn sie liegt mit Herzproblemen im Spital und weiß, dass sie bald sterben wird. Nun kümmert sich Clara um den Kater der Nachbarin und findet darin einen gewissen Trost. Bis eines Tages ein Mann in das Haus einzieht. Clara versteht die Welt nicht mehr, denn sie hofft ganz fest auf die Rückkehr der Nachbarin. Was macht dieser Mann in dem Haus?

Mit häufigem Erzählerperspektivewechsel schwenkt die Autorin von dem Kind Clara zur sterbenden Eliszabeth und zum ratlosen Neuankömmling Liam Kane, der als Vierjähriger ein gern gesehener Gast bei Elizabeth war und die ihn wie ein eigenes Kind liebte. Als sie weiß, dass sie bald sterben wird, überschreibt sie ihm das Haus. Liam jedoch erinnert sich kaum an diese Zeit, will eigentlich aus dem kalten Ontario so schnell wie möglich wieder weg. Doch die Menschen bringen ihm Vertrauen, Liebe und Freundschaft entgegen und er entschließt sich zu bleiben.

Ein zärtliches Buch über die Liebe und das Vertrauen, das langsam und behutsam entsteht. Großartig auch, wie sich Mary Lawson in die kindliche Seele der siebenjährigen Clara und ebenso in die der sterbenden Elizabeth versetzen kann. Dabei gerät sie niemals in die Gefahr des Kitsches oder der Gefühlsduselei. Treffende Charakterzeichnungen und berührende Naturschilderungen machen das Buch zu einer wervollen Kraftquelle, besonders in Krisenzeiten wie diese.

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Volksoper: Ein deutsches Requiem

Musik: Johannes Brahms. Choreographie:Martin Schläpfer

Musikalische Leitung des Orchesters der Volksoper Wien: Christoph Altstädt, Choreinstudierung: Holger Kristen. Sopran: Athanasia Zöhrer. Bariton: Alexandre Beuchat. Text: Worte der Heiligen Schrift

Der neue Ballettdirektor Martin Schläpfer präsentiert mit „Ein deutsches Requiem eines seiner Hauptwerke und zugleich seiner wenigen Ensemblearbeiten. Es ist gleichsam seine Visitenkarte, mit der er die Bewegungsansätze des zeitgenössischen Tanzes deklariert.

Im „Ein deutsches Requiem“ geht es um die großen Fragen des Lebens: Worin definiert sich der Sinn? Was bedeutet der Tod? Wie in anderen Requien auch (z. B. in Rossinis Werk) hat nicht der Tod das (alleinige) Sagen, sondern vielmehr das Leben. Das erst seinen Wert durch die Begrenzung des Todes bekommt. So feiert auch Martin Schläpfer in seiner Choreographie die Lebensfreude, akkompagniert von dem Wissen um Veränderung und Tod. Seine Choreopgraphie zeigt die Augenblicke der Metamorphose: Gerade eben explodiert die Freude am Leben in ekstatischen Sprüngen und Läufen, um sich im nächsten Moment in Verinnerlichung an die Sterblichkeit zu erinnern.

Lichtgestalten

Großartig wird diese Choreographie von den wunderbaren Kostümen von Catherine Voeffray unterstützt und herausgearbeitet: Die Tänzerinnen tragen ein schwarzes Kostüm, das ihren Körper halb bedeckt, Arme, Beine, Rücken und die halbe vordere Körperseite sind „nackt“/nude. Durch die raffinierte Lichtführung von Thomas Denk leuchten aus dem Dunkel der Bühne (Florian Etti) die hellen Körperteile auf, als weisen sie ins Leben. Mit diesem Hell-Dunkelspiel gewinnt der Tanz eine ganz eigene Dimension ins Tranzendente.

Das Ensemble wird gefordert: Läufe, Hebefiguren, Street Dance, modern Dance, Gruppenformierungen, Auflösung der Gruppe in ein (gewolltes) Chaos, das erfordert von den Tänzern höchste Konzentration. In manchen Momenten erscheinen Präzision und exakte Übereinstimmung nicht wichtig. Ob die leichten Irritationen gewollt oder ungewollt passieren, weiß man nicht.Sind sie Teil der philosphischen Grundstruktur der Choreograpie?. Wie so oft lässt Martin Schläpfer die Tänzer barfuß tanzen, sie sollen den Boden unter ihren Füßen spüren, sich erden, ist sein Credo. Nur einmal wird diese Maxime unterbrochen: Claudine Schoch tanzt ein faszinierendes Solo, rechts barfuß, links mit Ballettschuh. In übertriebener Langsamkeit setzt sie Schritt für Schritt, mit den Füßen austasend, was der Boden dem blanken Fuß oder dem beschuhten Fuß meldet. Man könnte es als eine Frage an die Natur verstehen, wäre der Boden etwa von Erde bedeckt. Großartig auch ihr Pas de deux mit Davide Dato. Ketevan Papava und Marcos Menha tanzten in ihrem Pas de deux die Verinnerlichung der Intimität (der Kuss ist ikonenhaft!!!) und des Aufeinanderzugehens und des Vertrauens.

Minutenlanger Applaus und Ovationen belohnten diese großartige Ensembleleistung.

www.wiener-staatsballett.at/volksoper.at

Jason Starr, Panik.

Aus dem Amerikanischen von Ulla Kösters

Jason Starr ist ein brillanter Erzähler, er weiß, wie man Spannung aufbaut und Charaktere herausarbeitet.

In dem Thriller „Panik“ geht es um das Problem der Notwehr. Ab wann ist es Tötung, wann Notwehr. In medial interessanten Fällen trifft meist die allgemeine Meinung, sprich die Medien, ein Vorurteil.

Adam Bloom ist ein angesehener Psychiater in New York. Seine Welt ist in Ordnung, bis eines Nachts ein bewaffneter Einbrecher in sein Haus eindringt. Als Bloom ihn erschießt, ist es für ihn Notwehr. Zunächst wird er als Held gefeiert, doch das ändert sich bald…

Hochspannung ist garantiert. Man kann gar nicht aufhören zu lesen!!

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Theater in der Josefstadt: A. Schnitzler, Der Weg ins Freie

Nach dem gleichnamigen Roman von Arthur Schnitzler, dramatisiert von Susanne Wolf.

Warum meinte man, diesen langatmigen Roman Schnitzlers dramatisieren zu müssen? Hat Schnitzler nicht genug Dramen geschrieben? Wenn schon eine Dramatisierung, dann bitte so gut und griffig, wie Christopher Hampton und Daniel Kehlmann die Novelle von Stefan Zweig: „Geheimnis einer Unbekannten“ für die Bühne bearbeiteten.

„Der Weg ins Freie“ zieht sich über fast drei Stunden, eine Pause inclusiv. Im ersten Bühnenbild (Karin Fritz) befinden wir uns in einem Wiener Salon der Jahrhundertwende. Zwischen zur Zeit passenden Sofas und Sesseln sitzen und stehen Figuren, die über die politische Lage gesittet parlieren, sich manchmal echauffieren. Aber nicht zu viel, denn Aufregung ist in einem Salon nicht gewünscht. Es geht um Themen wie Antisemitismus, Zionismus, Kommunismus, Sozialismus und Fragen nach zwiwchenmenschlichen Beziehungen. Aber alles bleibt doch fein oberflächlich. Das Ensemble bemüht sich, den spröden Text in leichte Konversation umzuwandeln. In den folgenden Szenen verschwinden die Salonattribute, und es wird einmal in einer grauen Unterbühne, dann wieder in einer grauen Oberbühne agiert – finster ist die Zeit, in der der Bürgermeister Lueger die Meinungsmache gegen Juden vorantreibt. Hass und Denunziantentum, Opportunismus blühen. Im Mittelpunkt des Stückes steht die Frage, welcher Jude bin ich? Jede Figur verdeutlicht eine der vielen möglichen Facetten und ebenso vielfältig sind die Themen, die angeschnitten werden: Der Jude, der von Palästina und dem Zionismus träumt. Der Schriftsteller, der nicht jüdisch sein will, der Komponist, den sein Judentum egal ist. Mitten drin die Frauen, die eine schöne Staffage abgeben und bei NIchtbedarf sitzen gelassen werden. Meist monologisieren die Personen und schleudern ihre Meinungen ins Publikum. Der Regisseur Janus Kiza überlässt die Schauspieler ihrem Schicksal.

Berührend ist die Liebesgeschichte zwischen dem adeligen Möchtegernkomponisten Georg von Wergenthin (Alexander Absenger) und der bürgerlichen Anna Rosner – überzeugend schlicht von Alma Hasun gespielt. Ebenso echt die Rolle des jüdischen Arztes. Joseph Lorenz gibt dieser Figur Tiefe. Nervig wie immer Katharina Klar als kämpferische Sozialistin. Dank dieser einzelnen Spannungsmomente haben die meisten Besucher bis zum Schluss durchgehalten.

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„wortwiege“ in den Kasematten: Büchner: „Dantons Tod“

Inszenierung: Jerôme Junod, Anna Maria Krassnigg

Foto: Isabella Wolf / Robespierre. Judith Richter/Saint-Just

Vor einem nachtblauen Hintergrund ist ein Gerüst, eher eine Plattform aufgestellt. Sie soll an die Guillotine erinnern. Wir sind mitten in der Französichen Revolution. So weit so verständlich und plausibel. Die revolutionären Kräfte haben sich zerstritten. Robespierre ist radikal, Köpfe sollen rollen. Danton ist der Revolution überdrüssig geworden, zu viel Blut haben er und alle anderen schon vergossen. Er zieht sich ins Privatleben zurück, will Genuss und Lust statt Frust. So weit auch plausibel, das weiß man noch aus dem Geschichtsunterricht.

Verwirrend wird es, sobald die Frauen auf der Bühne zu agieren und zu sprechen beginnen. Wer ist wer? Vier Frauen spielen Männer, aber auch Frauen. Das Konzept ist radikal, man ist mehr damit beschäftigt herauszubekommen, wann die Figur gerade eine Frau, wann ein Mann ist. Radikalität gut und schön, aber nicht zu Lasten der Verstehbarkeit.

Bis zur Pause großes Rätselraten, dann Beratung. Aha, wenn Danton (Nina Gabriel) eine Schulter entblößt und die Haare nach vorne streicht, dann wird sie Julie, Dantons Gefährtin. Camille Desmoulins (Petra Staduan) ist sowohl Gefährte Dantons als auch Lucile, was nicht immer leicht zu unterscheiden war. Einige Zeit und Überlegungen dauerte es, bis man das Doppelspiel von Judith Richter als Marion und zugleich als den Scharfmacher Saint-Just unterscheiden konnte. Eindeutig in ihrer Rollenzuteilung war Isabella Wolf als Robespierre. Dass Frauen Männerrollen spielen, ist nicht neu. Dass Schauspieler auf der Bühne ihre Rolle tauschen auch nicht. Aber hier wird mit dem Wechsel zu oft jongliert. Bis man kapierte, wer jetzt gerade agiert, war die Szene schon vorbei.

Nach der Pause hatte man das Verwandlungsschema durchschaut und konnte sich mehr mit dem Text beschäftigen. Büchners „Antirevolutionsdrama“ ist brandmodern. Aus Mördern können keine Demokraten werden. Die Guillotine als „Reinigung“ der alten Denk- und Staatsform funktioniert nicht. Danton hat das bald erkannt, während Robespierre als verbissener Moralist weiter köpfen lässt.

Die vier Frauen machten ihre Sache gut, besonders Isabella Wolf als Robespierre überzeuget. Er/sie hatte ja keine Doppelrolle. Auch Nina Gabriel spielte den des Mordens überdrüssigen Danton gut. Dass sich Danton in die Lust und den Genuss flüchtet, ging im Spiel ein wenig verloren. Judith Richters Wechselspiel von der einfühlenden Marion zum blutgierigen Saint-Just war wohl am schwierigsten darzustellen. Aber sie machte ihre Sache recht gut. Etwas blass wirkte Petra Staduan als Camille/Lucile.

Eine interessante Inszenierung, in der die Grenzen des Regietheaters deutlich werden.

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Vindobona: „O du mein Österreich“ mit Joseph Lorenz

Wien hat seit 2020 eine neue, vielseitige Bühne, das „Vindobona“. 1919 bereits Kino, dann nach unterschiedlichen Betreibern 2020 von dem Gastronom und Manager Wolfgang Ebner üernommen und zu einem vielseitigen Betrieb ausgebaut: Café, Restaurant und Bühne für Kleinkunst, Shows und Kabarett.

Joseph Lorenz ( © Ch._Zada)

Joseph Lorenz eröffnete mit seiner Lesung „O du mein Österreich“ den Reigen der literarischen Abende/Matinees. Bekannt aus vielen Schnitzlerinszenierungen und Lesungen verschiedener Novellen von Zweig und Schnitzler, kann Lorenz auch urkomisch und zutiefst abgründig sein. Mit umwerfendem Humor und feiner Ironie bereitete er vor dem Publikum in der Lesung „O du mein Österreich“ eine reiche Palette von österreichischen Urtypen aus: den Raunzer, den Beamten, den betrunkenen Propheten, den befehlshörigen Soldaten und viele mehr. Dazu braucht Lorenz weder ein Bühnenbild noch mitwirkende Schauspieler. Denn er füllt jede Figur mit prallem Leben, switcht von einem Charakter in Sekundenschnelle in einen anderen. Die Ansammlung von kuriosen Ereignissen und Personen bezeichnet er treffend als „österreichische Merkwürdigeiten“. Und merkwürdig und denkwürdig sind sie alleweil, treffend festgehalten von Anton Kuh, Alfred Polgar, Peter Hammerschlag,Hugo Wiener oder Friedrich Torberg. Wenn er die leicht bescheuerten Feldwebel, den Betrunkenen, der die Zukunft weissagt, die belämmert aussehenden Beamten im Arbeitsamt, die gelangweilten Adeligen im Demel spielt, dann gibt er allen die passende Sprache. Urkomisch etwa die Szene im Dehmel nach dem 1. Weltkrieg: Trautmannsdorf und andere zu Null degradierte Adelige nuscheln sich über die Probleme nach dem Krieg einfach hinweg. Das Seviermädel knickst, versteht nix, aber das macht nix, Hauptsache ist die Sachertorte.

Einmal wird er ernst: Er erinnert an seinen Vater Willy Lorenz, der Soldat, Widerstadskämpfer, Kommunist, Diplomat und Historiker war. Sein Text „Nekrolog auf eine Ribisel“ ist eine Abstrafung des Österreichers, der sich sprachlich und auch sonst sehr schnell an Gegebenheiten anpasst und ohne Probleme seine eigene Sprache, Idendität aufgibt, wenn die Mehrheit es so will.

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Festspielhaus St. Pölten: Schwanensee

Choreographie: Angelin Preljocaj

Musik: Tschaikowsi: Schwanensee + zusätzlicher Musik

Video: Boris Labbé, Kostüme: Igor Chapurin

Mit diesem grandiosen Ballett eröffnet die Intendantin Brigitte Fürle eine besondere Jubiläumssaison : 25 Jahre Festspielhaus St. Pölten. Zugleich wird es ihre letzte Saison an diesem Haus sein – was sicher alle Besucher dieses wunderbaren Theaters bedauern. Mit Preljocajs Neuinterpretation des Balletts „Schwanensee“ hat sie für einen fulminanten Auftakt gesorgt.

Wenn Preljocaj angekündigt wird, dann sind Spannung, Überraschung und Faszination garantiert. Von der klassischen Version Marius Pepitas‘ ausgehend versetzt er die Handlung in die Gegenwart. Mit einer starken Szene wird begonnen: Der Zauberer Rothbart – später der teuflische Manager des „Vaterkönigs“ – vergewaltigt die schöne Odette und verwandelt sie in einen Schwan – eine brutal choreographierte Szene, ein schockierender Auftakt und Vorbereitung auf eine Welt, in der Natur und Liebe durch Macht und Geldgier zerstört werden.

Nicht auf einem Königshof wird gefeiert, sondern in der Villa eines Megabauunternehmers. Im Hintergrund ragen Kräne und Hochhäuser auf (Video Boris Labbé). Man feiert weniger den Geburtstag des Sohnes, eher das neue Modell des nächsten Bauprojektes. Das Fest endet mit einer rasanten Bunga-Bungaparty. Prinz Siegfried – in weißer Jogginghose und Kapuzenshirt – hängt mehr als innig an seiner Mutter und sie an ihm. Vielleicht will Preljokaj eine Inzestbeziehung andeuten und damit auch die Unmöglichkeit des Prinzen erklären, ehrlich und treu eine andere Frau als seine Mutter zu lieben.Frustriert von den nichtssagenden Girls, die ihn auf der Party umschwärmten, zieht es den Prinzen in die Natur – doch die ist grau und steinig. Dennoch tauchen die Schwäne auf und Odette bezaubert ihn vollkommen. Diese Szenen berühren stark. Man sieht nicht die rein klassische Führung, wie man sie von Petipa her gewohnt ist, sondern vielmehr das leicht aufgelöste Ungeordnete, das immer wieder zu einer Ordnung findet. Neben den klassischen Ballettfiguren baut Preljocaj auch witzige Hullahupp-Bewegungen ein, was wie ein ironisches Augenzwinkern wirkt. Das Zusammenspiel von Klassik und modernem Tanz ist ja Preljocajs typische Handschrift. Einer der Höhepunkte ist wohl die Vereinigung von Odette und Siegfried: Beide werden von je einer Schwanengruppe hereingetragen und wie in einem Hochzeitsbett hoch über ihren Köpfen vereint. Bilder, die lange im Gedächtnis bleiben.

Das Thema der Umweltzerstörung wird in der Folge immer deutlicher. Die Baukräne wachsen, die Natur stirbt, bis kein See, kein Baum mehr zu sehen ist. Siegfried ist der Verführung des schwarzen Schwans (beide getanzt von Théa Martin) erlegen. Als er den Irrtum erkennt, ist es zu spät. Vergeblich sucht er Odette, er findet nur mehr tote Schwäne in einer toten Natur.

Ein großartiges Ensemble, eine aktuelle und durchaus stimmige Neuinterpretation und verblüffende Einzelszenen machen den Abend zu einem besonderen Ereignis.

http://www.festspielhaus.at

Theater Scala: Nestroy: Umsonst

Fassung und Inszenierung: Bruno Max

Titelfoto v. li nach re: Leonhard Srajer als Pitzl, Simon Brader als Arthur, Jörg Stelling als Fabrikant Finster, Randolf Destaller als Inspizient, Teresa Renner als Schauspielerin, Bernadette Mold als Frau Gschlader.

Wo Bruno Max auf der Inszenierung draufsteht, da ist intelligenter Witz, schräger Humor und kontramodische Inszenierung garantiert.

Bruno Max siedelt das Stück in Steyr und in Braunau an, auf die Anmerkung Nestroys anspielend: Provinz ist überall. Mit voller Absicht gegen das Regietheater , das mit obskuren Bühnenbildern und/oder nackter Bühne das Publikum schon viel zu lange langweilt, lässt er Marcus Ganser ein herrrlich altmodische Bühne hinstellen: Ein kleines Theater in Steyr mit dazu passender Kantine, wo die Schauspieler dünnen Kaffee/ Gschlader auf Pump bekomen. Nicht nur die Bühne wirkt bewusst kontramodern, auch die Schauspieler. Die ganze Crew darf sich im Outieren austoben und sie machen das so intensiv gut, dass das Publikum vor Vergnügen johlt. Weil es endlich wieder einmal nicht mit dem Polit- und Moralhammer , der zur Zeit in fast allen Theatern auf uns hinuntersaust, erzogen wird. Man darf einfach lachen, sich vergnügen und die deutlichen Hinweise auf Gegenwartsprobleme registrieren, aber man muss sich nicht nachher schuldbewußt an die Brust klopfen. Zu diesem bewusst altmodischen Konzept passen auch die Kostüme von Anna Pollak, die direkt aus der Zeit Nestroys stammen könnten.

Mit Bedacht und sehr gewollt hat Bruno Max dieses Stück von Nestroy gewählt, geht es doch im ersten Teil darum, auf die ärmliche und prekäre Existenz der Schauspieler und der heutigen Kulturszene anzuspielen. Fixes Engagement – gibts nicht, das Theater ist vom Zusperren bedroht. Pitzl, der Schauspieler für die pathetischen Rollen., zitiert zum Leidwesen aller andauernd Schiller, kommt damit aber gar nicht gut an. Leonhard Srajer spielt diese Rolle herrlich übertrieben. Sein Freund und Schausspielerkollege Arthur (toll und übermütig :Simon Brader)ist über beide Ohren in Emma Busch – mit Selbstverleugnung komisch von Magdalena Hammer gespielt- verliebt. Aber natürlich stellt sich alles gegen diese Verbindung. Mit Bravour wird die Verwirrung auf die Spitze getrieben, durch Fenster gesprungen, hinter Türen versteckt etc. Das alles hat man schon oft in Komödien gesehen, aber selten noch mit so viel Übermut und Verve.

Der zweite Teil spielt in einer Gaststube in Braunau. In einer Ecke hockt ein Hitlerverschnitt. Das Peronal wird von dem Wirten Sauerfaß geschunden und schlecht bezahlt. Hermann Kogler gibt dieser Figur die bieder -berechnende Maske. Eine Sonderattacke auf die Lachmuskeln liefern Vater und Sohn Maushuber (Christoph Brückner und Rudolf Destaller). Sie sind das personifizierte Kapital, das von dem Lebenskünstler Arthur zur unnötigen Staffage degradiert wird. Un natürlich geht alles gut aus: Jeder und jede bekommt den Partner der Wahl, nachdem einige Verwirrungen geklärt sind.

Eigentlich müsste man jede kleinste Rolle vor den Vorhang rufen, denn das ganze Ensemble spielt so richtig gut und auf „Teufel komm raus“!

Wer also vom Regietheater, nackten Männerhinterteilen und brüllenden Horden genug hat, dem sei dieser Abend zur Erholung wärmstens empfohlen!!! Alle Infos unter:

http://www.theaterzumfuerchten.at

Leila Slimani, Das Land der Anderen. Luchterhand

Aus dem Französsichen von Amélie Thoma

Leila Slimanis Bücher fesseln gleich von der ersten Zeile an. Die in Rabat geborene und in Frankreich lebende Schriftstellerin versteht es, Spannung und Fachkenntnis über beide Kulturkreise geschickt zu verbinden.

Im „Land der Anderen“ erzählt sie die Lebensgeschichte ihrer Großmutter: Mathilde, eine junge Frau aus dem Elsass, verliebt sich nach dem Zweiten Weltkrieg in den feschen marokkanischen Offizier Amine Belhaj, der in der französischen Armee gekämpft hat. Sie heiraten und sie folgt ihrem Mann nach Marokko, wo er ein kleines Landgut geerbt hat. Dieses will er zu einem Mustergut ausbauen, was aber nicht so ganz gelingt. Zunächst leben die beiden bei der Mutter Amines, direkt in der Altstadt von Meknes.

Es gehört zu den Stärken der Autorin, keine der beiden Kulturkreise zu favorisieren oder zu desavouieren. Sie stattet Mathilde mit viel Verständnis für das Leben in Marokko aus, ohne dass diese ihren Drang nach Freiheit und Selbstbestimmung aufgeben muss. Ohne zu glorifizieren schildert Slimani spannend und im flüssigen Stil das harte Leben zuerst in Meknes, dann auf dem Landgut. Zunächst verbindet die beiden Eheleute die Lust am Sex, später die pure Notwendigkeit, beisammen zu bleiben. Akzeptanz, wo es nicht anders möglich ist: „So ist das hier“. Punktum, sagt Mathilde ohne Selbstmitleid und packt an. Über die Sorgen und die harte Arbeit verlieren die beiden das Verständnis füreinander, aber sie bleiben zusammen. Jeder lernt vom anderen. Mathilde möchte die Welt ihres Mannes verstehen, findet aber nicht die geeigneten Worte dafür. Für die neue Welt hätte sie „neue Worte“ gebraucht.

Slimani gelingt es, die Rolle Mathildes und ihre Sicht auf die neue Welt und die Amines verständlich zu machen. Sie ergreift als Erzählerin nie Partei. Das macht den Roman doppelt wertvoll.

http://www.luchterhand.de

„wortwiege“ in den Kasematten zeigt: „Nussschale“

Nach dem gleichnamigen Roman von Ian McEwan

Ein noch nicht geborenes Kind bekommt im Bauch seiner Mutter alle Intrigen, Liebesschwüre, Mordkomplotte und Orgasmen mit. Dieses Kind hat noch keinen Namen. So die Ausgangslage im Roman und in der theatralischen Umsetzung. Gleich vorweg: Roman gelesen, Theater gesehen – Fazit: Das Theaterstück ist weit interessanter, amüsanter, verblüffender als der Roman, der sich in die Länge zieht.

Schon das Bühnentableau verblüfft: Im Arkadenbogen des Bühenhintergrundes ist im Video die Gestalt eines jungen Mannes zu sehen, der sich im schicken Sport- oder Mondraumfahreranzug in Maschinenräumen oder einer Mondraumkapsel bewegt. Er schaut auf eine schlafende schwangere Frau. Das ist Trudy, seine Mutter. Und er wird einmal Hamlet sein. An diesem wunderbar exzentrischen Bühentableau haben Jérôme Junod, Anna Maria Krassnigg und Christian Mair gearbeitet. Und die verschmitzt-hinterlistige Bühnenfassung des Romans haben Karl Baratta und Anna Maria Krassnigg erstellt.

Direkt vor den Augen und der Nase des ungeborenen Hamlet schmust und kopuliert seine Mutter Trudy mit Claude, der eigentlich ihr Schwager ist. Judy ist noch mit John verheiratet und ist von ihm schwanger. Aber sie hat genug von ihrem dichtenden Ehemann, hat ihn aus seinem eigenen Haus geworfen. Der arme Tropf liebt sie dennoch. Versucht sie mit einer vorgegaukelten Geliebten eifersüchtig zu machen. Doch Judy will ihn nicht wiederhaben, sondern ein für alle Mal loswerden. Mit ihrem Liebhaber Claude schmiedet sie das Mordkomplott, das auch gelingt. Doch die Polizistin ist ihnen auf der Spur. …

Der noch ungeborene, namenlose Hamlet (Flavio Schily) sieht diesem Treiben ziemlich objektiv zu, er kann ja nicht eingreifen. Seine Kommentare sind ohne moralisches Urteil, meist ironisch witzig. Claude (Jens Ole Schmieder) spielt den berechnenden Liebhaber Trudys ausgezeichnet. Er entwickelt die Idee des fingierten Selbstmordes. lenkt Judy durch Liebesspiele ab, wenn sie allzu selbständig zu denken beginnt. Martin Schwanda ist ein herrlich gutmütiger Dichtertölpel. Man versteht, warum seine Frau ihn loswerden will. Witzig ist auch die schlangenschlaue Polizistin (Isabella Wolf), die die beiden Mörder ganz langsam und genüsslich in ihren Ängsten schmoren lässt. Sie übernimmt gleichsam die Rächerrolle Hamlets, der ja noch nicht handlungsfähig ist. Petra Staduan gibt die begeisterungsfähige Dichterin mit jugendlicher Naivität und Überzeugungskraft.

Nina C. Gabriel als Judy (© Adnrea Klem)

Die Person, um die sich alles dreht, ist Judy – ganz hervorragend gespielt von Nina C. Gabriel. Wie sie aus einer nicht endenwollenden Trägheit heraus agiert, langsam und bedächtig den Mord plant, ihren Liebhaber Claude in die Schranken weist, den Ehemann von sich fern hält, dabei Pommes Frittes mampft und Wein schlürft, ist beste Schau-Spielkunst. Beinahe gleichgültig dem Geschehen rings um sie, verliert sie auch nicht ihre Ruhe, als die Polizistin an der Wahrheit schon ganz nah dran ist. Da hilft nur ein Ablenkungsmanöver: Das Kind schnell zur Welt bringen. Was sie auch prompt tut. Leider verhindert das zu früh auf die Welt gekommene Kind die Flucht der beiden. So gesehen kommt Hamlet doch noch zu seiner Rächerrolle.

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Wiener Staatsballett: tänze -bilder- sinfonien

Auffführung am 17. September 2021

Titelfoto: symphony in three movements, Ensemble

symphony in three movements

Musik: Igor Strawinski, Choreographie: George Balanchine. Musikalische Leitung des Orchesters der Wiener Staatsoper: Robert Reimer

Strawinski und Balanchine waren ein congeniales Paar. Balanchine der ideale Choreograph für Strawinskis Musik, Strawinski der ideale Komponist für Balanchines Choreographien. „Komponisten kombinieren Noten, Choreographen kombinieren Bewegungen, und die, die ich zu dieser Musik geformt habe, folgen keiner Handlung oder Erzählung“ – so Balanchine über Choreographie im Allgemeinen, besonders aber über die Choreographie zur dieser „symphony in three movements“ (zitiert nach „In Balanchines Worten“ im Programmheft).

Strawinski brachte diese „Symphonie ohne Programm“ 1946 zur Uraufführung. Dennoch seien Spuren des Krieges, der Hoffnung und Verzweiflung in ihr zu erspüren, wie er immer wieder betonte. Balanchines Choreographie vereint das scheinbar Unvereinbare: Er schuf ein abstraktes Ballett von unglaublicher Klarheit und Schönheit, das von den Ecken und Kanten des Lebens „erzählt“, zugleich von gleißend-fließender Körperlichkeit und Anmut ist. Einen der Höhepunkte bildet der Pas de deux von Ludmilla Konovalova und Masayu Kimoto.

Liudmila Konovalova und Masayu Kimoto (© Ashley Taylor)

Mit der extrem verlangsamten Musik werden Bewegungen bis in die feinsten Enden der Extremitäten ausgeführt und gehalten. Fast bis zur Schmerzgrenze der Tänzer (und des Zusehers). Dabei haben die beiden intensiven Körper- und Augenkontakt, was die Spannung noch erhöht.

In den Ensembleszenen hingegen sind flinke Füße, Reaktionsgeschwindigkeit und schnelle Orientierung gefragt. Bemerkenswert sind die Leistungen der „Ballettratten“, die durchaus in dieser schnellen und schwierigen Choreographie mithalten können.

Zum Gelingen dieser Choreographie trägt auch das Dirigat von Robert Reimer bei, der das Orchester mit Sicherheit in Tempo und Lautstärke führt.

pictures at an exhibition

Musik: Bilder einer Ausstellung von Modest Mussorgski, Choreographie: Alexei Ratmansky

Alexei Ratmansky wählte bewusst den Klavierzyklus Mussorgskis, der härter in Thema und Rhythmus ist als die Orchesterfassung von Maurice Ravel. Für das Bühnenbild haben sich Ratmansky gemeinsam mit der Kostümbildnerin Adeline André und der Project Designerin Wendall K. Harrington von der Farbstudie „Quadrate mit konzentrischen Ringen“ von Wassily Kandinsky inspirieren lassen. In wechselnden Farben und Formen werden diese auf den Bühnenhintergrund projeziert. Die Kostüme sind darauf abgestimmt. So entsteht ein genialer Dreiklang von Farben, Tanzgestik und Musik. Die Tänzer agieren nicht als Besucher einer Ausstellung, sondern werden zum bewegten Bild der Ausstellung. Was zu verblüffenden Effekten führt. Man sieht in die sich bewegenden Bildfiguren hinein, folgt ihrer „Erzählung“ und ihrer Auflösung. Ein neuer, ziemlich radikaler Ansatz einer Choreographie!

Alina Bercu am Klavier gab der Musik die nötige Kante und Rhythmik.

sinfonie nr.15 – uraufführung

Musik: Symphonie Nr. 15 A – Dur, opus 141 von Dmitri Schostakowitsch, Choreographie Martin Schläpfer, Diriget Robert Reimer

„Wie ein Forscher steigt Martin Schläpfer zusammen mit seinen Tänzerinnen und Tänzern in die Kammern der menschlichen Seele hinein.“ (Anne do Paco, im Programmheft p..45).

Graue Kostüme, ein dunkler Bühnenhintergrund, auf dem ein paar zerrissene Blätter flattern. Davor die Bewegungen der Tänzer – hektisch, ekstatisch, zugleich irgendwie verloren. Gegen die Verlorenheit müssen sie tanzen, sich bewegen, sich aneinanderkrallen. In die Haut des anderen kriechen, dessen Seele und die eigene im Tanz bloßlegen. Martin Schläpfer verlangt viel, alles von seinen Tänzern. Sie tanzen, um der Einsamkeit zu entfliehen, tanzen, um das Ego an ein Du zu binden, es im selben Augenblick zu fesseln und loszulassen. Martin Schläpfer entpuppt sich als ein „Tanzphilosoph“, und das Publikum folgt seinen Axiomen fasziniert.

Ein voll besetztes Haus dankte mit frenetischem Applaus

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Strindberg, Fräulein Julie. Akademietheater

Was man nicht sieht im Theater, ist das Spannendste“ meint Raimund Orfeo Voigt, der die Bühne für „Fräulein Julie“ entwarf. Dem wäre noch hinzuzufügen: „Was man nicht hört im Theater, ist das Spannendste“, denn gut ein Drittel des Textes bleibt unverständlich. Teils, weil es die Regisseurin Matejka Koleznik vielleicht so gewollt hat, teils bedingt durch das Bühnenbild: Voigt stellt in einen Guckkasten ein hyperrealistisches Badezimmer mit WC, Badewanne und Ausgang zu einem Korridor hinein. Als Abgrenzung zum Publikum dient eine unsichtbare Glaswand. Das kapiert man aber erst gegen Ende des Stückes, wenn Julie ihre blutigen Hände dagegen drückt. Bis dahin wirkten die Worte, als trügen auch die Schauspieler eine FFP2 Maske, um sich mit dem Publikum zu solidarisieren. Herauskommt streckenweise eine gekonnte Pantomime, während der das Publikum das Geschehen sich zusammenreimen kann. – Recht tnteressant, wie zum Beispiel Sarah Victoria Frick als Dienerin Kristin minutenlang äußerst gründlich das Bad putzt. Oder sie sich minutenlang die Beine kratzt, während sie dem Liebesspiel zwischen dem Diener Jean (Itay Tiran) und der Grafentochter Julie (Maresie Riegner) zuhört. HInter der geschlossenen Glastüre zum Korridor sieht auch das Publikum dieser durchaus auf dem Theater innovativen Form des Coitus zu. Danach stürzt die über ihren gesellschaftlichen Faux pas bestürzte Julie -ins Badezimmer und wäscht sich gründlich zunächst an der Waschmuschel, dann in der Badewanne die Reste des Orgasmus von den Schenkeln und der Vagina. Nach dieser Performance darf man vermuten – so ab der 11. Reihe Parkett ist die Sicht nicht mehr sehr gut – dass sie ein bereitliegendes Rasiermesser nimmt und sich die Pulsadern aufschneidet – oder aufschneiden will. Rechtzeitig stürzt Jean herein und zerrt sie aus der Badewanne. Das alles wird von Maresi Riegner als Julie mit grandioser Selbstverleugnung gespielt. Es ist sicher nicht leicht, sich nackt, nur mit einem Strumpfbandgürtel angetan, an den intimen Stellen zu waschen und sich nackt auf den Fliesen zu wälzen. Als Publikum fühlt man sich in die Rolle eines Voyeurs gedrängt.

Ja, worum geht es eigentlich Strindberg in diesem Stück? Um Geschlechterrollen in erster Linie: Eine Adelige verführt einen Diener, das geht gar nicht. Da droht Schande und Frau muss sich umbringen. So ein Geschlechterdrama ist in der heutigen Zeit obsolet. Dann vielleicht doch andersrum: Aus dem unterwürfigen Diener wird ein Machtprotz, der aus der herrschsüchtigen Julie eine billige Hure macht, die vor ihm kriecht. Doch auch diese Themenvariante deutet die Regisseurin nur an. Was bleibt ist ein Art Schlachtengebilde aus drei Personen: Julie, die liebestolle, Jean, der berechnende, Kristin, die bigotte, „kreuzbrave“, hinterhältige Magd. Alle drei spielen ihr Spiel hervorragend. Und es wäre ein spannender Abend mit engagierten Schausspielern gewesen, hätte die Regisseurin nur klare Positionen zugelassen.

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Theaterforum: Miro Gavran, Pantoffelhelden

Deutsche Übersetzung: Tihomir Glowatzky

Regie: Hubsi Kramar, Bühnenbild: Markus Liszt, Produktion und Kostüme: Carmen Wagner

Eine Ehe zu Dritt? – Geht gar nicht, wenn der eine der Ex-Ehemann, der andere der aktuelle Ehemann und die Dritte die grantige, gereizte Ehefrau des aktuellen ist. Einer ist immer der Belämmerte in dieser Komödie von Miro Gavran, dem erfolgreichen kroatischen Autor. Am Schluss sind es die beiden Männer. Die Frau hat über die Köpfe der „Pantoffelhelden“ entschieden.

Anna und Marko (Eszter Hollosi und Anton Rieger) feiern ihren ersten Hochzeitstag und beteuern sich gegenseitig und mehrmals, wie glücklich sie sind. Man weiß: das kann nicht lange dauern – sonst gäbe es ja nichts zum Lachen. Und schon taucht der Störefried auf: Der Ex-Ehemann Ivo (Manuel Dragan) ist vorzeitig aus dem Gefängnis entlassen worden, wo er zwei Jahre unschuldig einsaß. Er kommt, um zu bleiben. Denn die Wohnung gehört zur Hälfte ihm. Ein guter Komödienstoff. Zu Beginn amüsiert man sich über den Akzent des Ivo. Mit leichten Sprach- und Grammatikfehlern gewinnt er die Gunst des Publikums, aber nicht die der beiden Eheleute. Die fühlen sich in ihrer Intimsphäre heftig gestört. Geschickt entwickelt der Autor ein Ringelspiel der Beziehungen – sehr rasch arrangiert sich der Ehemann mit dem Ex,sie trinken Bier, spielen Karten, was natürlich die Ehefrau aufbringt. Sie wiederum versucht den aktuellen Ehemann eifersüchtig zu machen, indem sie mit dem Ex auf häusliche Idylle spielt. Das ist alles sehr nett anzuschauen, aber es fehlt dem Stück ein starker Antrieb, irgendein Überraschungseffekt. Alle drei Schausspieler bemühen sich, besonders Manuel Dragan bringt durch seinen Akzent und seine witzige Körpersprache Pep und Lockerung in das etwas zäh dahinfließende Geschehen. Hubsi Kramar, sonst für seine aberwitzige Regie bekannt – etwa in „Bezahlt wird nicht“ von Dario Fo – lässt das Geschehen eher brav über die Bühne gehen. Durch den häufigen Umbau auf der Minibühne verliert das Stück an Fahrt, kaum dass es ein wenig zugelegt hat. Textkürzungen täten ihm gut.

„Pantoffelhelden“ bleibt bis 9. Oktober am Spielplan

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Jonathan Coe: Mr. Wilder &ich. Folio Verlag

Aus dem Englischen von Cathrine Hornung

Der britische Autor Conathan Coe ist bekannt für seine feine Ironie und den typisch englischen Understatement-Humor. In diesem Roman entwirft er aus der Erinnerung einer jungen Griechin ein Bild von Billy Wilder, abseits von der üblichen dokumentarischen Biografie.

Im Sommer 1976 lernt die junge Griechin Calista durch Zufall Billy Wilder und seinen besten Freund und Mitgestalter Mr. Diamond bei einem eleganten Dinner kennen. Sie hat keine Ahnung vom Film im Allgemeinen und schon gar nicht weiß sie, wer Billy Wilder ist. Sie blamiert sich unsterblich. Dennoch wird sie Wochen später als Dolmetscherin eingestellt. Wilder dreht auf der einsamen Insel Madouri seinen vorletzten Film „Fedora“. Calista macht amüsante Beobachtungen am Set, allmählich wird sie Wilderexpertin, weiß um seine Stärken und Schwächen. Sie folgt der Crew nach München, wo die letzten Dreharbeiten zu Fedora stattfinden. Dabei erfährt sie auch viel über die Vergangenheit Wilders. Er wuchs als Kind jüdischer Eltern in Wien auf und konnte der Verfolgung durch die Nazis entkommen. Aber alle Familienmitglieder sind umgekommen. Sein letzter Film wird sich diesem Thema widmen.

Der Roman ist locker geschrieben. Einige Male verwirrt Coe den Leser, weil er in den Zeiten hin- und herpendelt. Wer nicht gerade ein Filmexperte ist, wird so manche Ausdrücke aus der Filmfachsprache nicht verstehen. Auch werden einem jüngeren Publikum viele der genannten Filme unbekannt sein. Dennoch empfiehlt sich diese Biografie in Romanform, weil man Billy Wilders private Seite kennen lernt.

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Volksoper: Verdi: Rigoletto

Nach Victor Hugos, Le roi s’amuse, Text von Franceso Maria Piave, Musik: Giuseppe Verdi

Zu einer der berührendsten Szenen zählt das Geständnis Gildas (Rebecca Nelson), das sie ihrem Vater Rigoletto (Boaz Daniel) nach der Befreiung aus den Gemächern des Duca macht. Vor einer schlichten Wand, ganz ohne die oft recht störende Szenerie des Filmsets der 1960er Jahre, in die der Regisseur Stephen Langridge das Geschehen versetzt, ist man ganz auf die Stimmen der beiden konzentriert. Rebecca Nelson hat die leichte Schärfe in den hohen Tönen, mit denen sie im ersten Teil zu kämpfen hatte, verloren und Boaz Daniel seine vielleicht durch leichte Indosponiertheit bedingte Heiserkeit ebenfalls. Mit „Caelo, dammi coraggio“ gelingt Rebecca Nelson das berührende Geständnis eines Mädchens, das von dem Mann, den sie liebt, entehrt wurde. Die Arie Rigolettos “ Piangi , fanciulla“ spendet Trost und Verstehen..

Insgesamt entwickelt sich die Oper nach der Pause zu intensiver Dramatik, zu ergreifenden Szenen, etwa wenn Rigoletto die Hofgesellschaft mit einem verzweifelten Schrei „pietà“ um Mitleid anfleht. Man vergisst, dass es Filmleute sind, sieht eine Gesellschaft, die egal ob adelig, bürgerlich, voller Missgunst und Schadenfreude auf das Leid reagiert. Die Idee des Regisseurs, das Geschehen parallel zu einem Filmdreh mit dem Titel „Maledizione“ („Verwünschung, Fluch) zu setzen, führt besonders in den Anfangsszenen zu unnötiger Verstörung. Etwa wenn während des Vorspiels in einem Bordell eine Prostituierte vergewaltigt und ermordet wird. Schon klar, dass damit auf den Fluch Monterones – ausgezeichnet gesungen von Andreas Mitschke) und auf die Verderbtheit des Duca (Pavel Valuzhin) angespielt wird. Im Film wird die Rolle des Verführers umgedeutet zu einem Star, der sich die Frauen „nimmt“, wie er will. Dem aber auch die Frauen willig zu Füßen liegen. So gesehen relativiert der Regisseur die Vorwürfe der Frauen, wie sie in der metoo-Bewegung aufplopen, und eröffnet eine andere Sichtweise. Pavel Valuzhin ist nicht unbedingt der strahlende Student, für den Gilda sich opfert, eher ein gedankenloser Verführer, der nichts anderes über Frauen weiß als: La donna è mobile…“

Sehr dicht und voller Innigkeit ist die Schlussszene, in der Rebecca Nelson mit der Arie „La sul caelo“ das Publikum voll mitnimmt und Boaz Daniel als gebrochener Vater in seinem Leid und der Erkenntnis, was er mit seiner Rache ausgelöst hat, überzeugen.

Insgesamt zeigt die Volksoper mit „Rigoletto“ eine sehenswerte Ensembleleistung. In den Rollen des Sparafucile überzeugen weiters Yasushi Hirano und Annely Peebo als Maddalena. Lorenz C. Aichner dirigiert das Orchester der Volksoper mit Verve, hin und wieder etwas zu laut.

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Theater in der Josefstadt: Grillparzer: Medea

Von Medea hat wohl schon jeder passionierte Theatergänger ein Bild. Bei Euripides ist sie eine starke Frau, noch immer schön, in ihrer Raserei überwältigend. Bei Simon Stone eine intelligente Frau, die ihre eigene Karriere für Jason opfert. Bei Grillparzer die wilde Zauberin aus Kolchis, eine schöne Barbarin, die ihren Götterglauben aus Liebe zu Jason aufgegeben hat und am Schluss als Büßerin das Goldene Vliess an seinen Ursprungsort nach Delphi bringen wird.

Und nun die „Medea“ nach Grillparzer, bearbeitet vom Regisseur Elmar Goerden. In dieser Inszenierung ist Medea (Sandra Cervik) eine geknickte, alte Frau. In ihrem schwarzen, bodenlangen Kittel und Kopftuch könnte sie eine Bäurin aus Westanatolien sein, die sich in der modernen Welt zurechtfinden muss, aber nicht will und kann. Die Kostüme von Lydia Kirchleitner sind genau an den von Goerden angedachten Charakter angepasst: So ist Jason (Joseph Lorenz) im schwarzen, modischen Anzug und weißen Hemd im Heute angekommen. Dem Fiesling Kreon (Wolfgang Hübsch) verpasst Lydia Kirchleitner wechselweise ein Hawaihemd oder einen lächerlichen, schäbigen Königsmantel. Dass er – und andere auch – immer wieder eisschleckend auftreten, ist zwar im Moment ein Gag und sollte wohl die Tragödie zu einer verzweifelten Komödie herunterbrechen, entpuppt sich aber letztendlich als irritierend-störend. Oder als überdeutlich-peinliches Detail. Katharina Klar als Kreusa tritt in einem blümchenblauen Debütantinnenkleid auf, ganz auf Schüchterchen und lieb spielend. Dann im Raubtierfell eines Bären (!!?) zeigt sie ihr wahres Gesicht und schmeichelt sich bei Jason und Medea als Vermittlerin ein. Über das Bärenkostüm grübelt man eine Weile nach, um es dann als gegeben hinzunehmen. Ziemlich plump ist die Rolle der Magd Gora ausgefallen. Dass Michael König in diese Rolle schlüpfen muss, ist dem modischen Wink auf die Gender-Idenditätsfrage, die momentan in keinem Stück fehlen darf, zu verdanken. Mit blonden Zöpfen und einem Bauernfrau-Outfit soll sie wohl die intime Nähe zu Medea symbolisieren.

Mythos und Gegenwart

In einem schwarzen Bühnengrund, auf dem im Laufe des Stückes eine Regendusche und eine Art Teich mit Schilfgräsern die Gegenwart andeuten, spielt sich die antike Tragödie ab.Das Bühnenbild von Silvia Merlo und Ulf Stengl vereint so die Grundlinien, die der Regisseur herausgearbeitet hat: Die Oszillierung zwischen zwei Welten, der Gegenwart und der Vergangenheit, dem antiken Mythos und dem Heute. Goerden skelettiert gekonnt den Grillparzertext auf diese beiden Themen hin: Medea ist Vergangenheit, Fremdheit, Bedrohung der scheingesicherten Bürgerwelt eines Kreon. Ihr schrieb Goerden noch Text hinzu. Sie darf sich fragen, welche Rolle sie in diesem männerbestimmten Weltbild spielt.. Dabei wendet sie sich direkt ans Publikum, auf ihre stolze Seele weisend. Dass sie sich bei diesem kurzen Monolog das Hemd aufreißen muss und die bloße Brust de Publikum entgegenreckt, ist unnötig bis peinlich. Die Krusejfavoritin Bibiana Beglau machts vor und andere folgen ihr.

Geschickt verknüpfte schon Grillparzer – er kannte Euripides sehr gut – das Ehedrama mit der Flüchtlingssituation. Und Goerden folgt hier Grillparzer getreu. Die Hauptlast des Dramas legt er auf das Paar Jason-Medea. Dass sich die beiden einst bis zum Wahnsinn liebten, sexuell begehrten, davon ist kaum mehr was zu merken. Die Küsse und Umarmungen sind eher Ausdruck der Verzweiflung. Beide wissen, dass sie einander verloren haben. Jason will es nicht wahrhaben, betont seine Liebe zu Medea so lange sie nicht für ihn gefährlich wird. Als es heißt, Medea muss gehen, er darf bleiben, da wendet er sich voll Hass von ihr ab. Joseph Lorenz ist kein verglühender Held, er ist ein gebrochener Mann, der den Boden unter seinen Füßen verloren hat. Er spielt einen nervösen, ängstlichen Antihelden. Eigentlich versteht man nicht, was Kreusa noch an ihm findet, warum sie ihn Medea abspenstig macht. Sprachlich ist die Rolle Jasons die schwierigste von allen. Denn er muss zwischen Grillparzersprache und heutigem Ton hin- und herpendeln. Die Kluft, die sich dabei auftut, ist gewollt. Denn es ist auch die Kluft, die Jason innewohnt. Ein sensibles Spiel, das Joseph Lorenz mit müder Eleganz erfüllt.

Sandra Cervik hat viele Hürden zu nehmen. Da sie in ihrer Ausstrahlung keine Medea ist, muss sie dieses Manko durch überstarkes Spiel ausgleichen. Was ihr an vielen Stellen gelingt. Aber die Mördermutter nimmt man ihr nicht ab. Da fehlt die Erschütterung. Es ist ein kalkulierter Mord, der so nebenbei im Hintergrund der Bühne abläuft. Was darauf folgt, ist Schhock: Goerden endet die Tragödie in einer Spaßszene: Alle Toten stehen auf und vereinen sich in einer lustigen Party. Wie das zu verstehen ist? Vielleicht wollte er auf die Hollywood-Blockbusterfilme anspielen, in denen es kaum ein böses Ende nimmt oder nehmen darf. Auf jeden Fall zerstört er damit die Dramatik, die Medea vorher intellektuell leidend versucht hat aufzubauen. Und er bringt sich und seine beiden Hauptdarsteller um die tief berührende Schlussszene, wie sie Grillparzer schrieb: Während Jason in Selbstmitleid zerfließt, herrscht ihn Medea mit starker Stimme an: Trage, dulde, büße! Sie geht nach Delphi und wird dem dunklen Gott das Unglücksvliess zurückgeben. An Selbstmord denkt sie nicht, das erscheint ihr eine zu leichte Lösung.

Ein starkes Stück mit beeindruckenden schausspielerischen Leistungen. Durch Überinszenierung, unnötige Gags und den komischen Schluss nimmt der Regisseur viel von der Wirkung weg.

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Maria Bill singt Kurt Weill

Kultursommer Semmering. Vorletzter Tag

Musikalische Begleitung: Saxophon, Klarinette, Arrangement: Leonhard Skorupa. Kontrabass: Gregor Aufmesser. Gitarre: Andi Tausch. Schlagzeug; Konstantin Kräutler.

Jahrhundertwendeflair wird von 1930er Jahren überstrahlt. Die Mischung machts aus: Draußen ein strahlender Spätsommertag, die weißen Tischtucher, die weißen Wolken auf einem seidenblauen Himmel leuchten durch die Terrassenfenster herein. Im Saal entführen Maria Bill, Kurt Weill und seine Musik in die 30er, 40er Jahre des vorigen Jahrhunderts.

Maria Bill-zart, zerbrechlich. zierlich und doch kraftvoll in der Stimme und im Auftreten, singt die von ihr so geliebten und oftmals schon gesungenen Lieder Kurt Weills, unterstützt von den vier jungen Musikern, die ganz auf sie eingeschworen sind. Sie kennt keine Eitelkeit: Das Haar wie schlecht onduliert, das schwarze Mädchenkleid , mit mattrosa Rosen bestickt, bedeckt nicht ihre eckigen Knie. Die dünnen Beine stecken in schweren Stifletten. So singt und erzählt sie von Kurt Weill und seinem Leben, seiner Zusammenarbeit mit Brecht, seiner Liebe zu Lotte Lenya, seiner Flucht aus Deutschland, der bitteren Zeit in Paris und von der harten, aber letztlich doch erfolgreichen Zeit in Amerika. Der Hintergrund aller Lieder ist die Liebe. Nicht nur die Liebe Weills zu seiner leichtlebig-schwierigen Ehefrau und Exehefrau und wieder Ehefrau Lotte Lenya, sondern weit darüber hinaus die Liebe der gequälten Frauenkreatur. Auch wenn sich die Frau für den Sex bezahlen lässt, so ist in ihr doch Liebe. Und immer steckt in allen Liedern die Sehnsucht nach Freiheit, nach einer unbegrenzten Liebe: „Youkali“.

Der erste Teil wirkt ziemlich brechtig – prächtig. Dann nach der Pause kommt Zärtlichkeit, Sehnsucht, tiefe Traurigkeit auf: „Je ne t’aime pas“, „Complainte de la Seine“ geprägt von den Erfahrungen der Naziverfolgung und der Trennung von Lotte Lenya. Berührend das Lied über das französiche Mädchen, das sich in einen deutschen Soldaten verliebt: „Mon ami, my friend“.

Maria Bill darf und kann alles sein: tragisch bis zum Herzzerreißen, mädchenhaft verschämt, hurenhaft aggressiv, lüstern. Sie singt mit ihrem ganzen Körper, erzählt die Geschichte, macht aus jedem Lied eine Biografie. Nie ist es irgendein allgemeines Leid oder eine anonyme Geschichte, immer skulpiert sie mit Händen und dem ganzen Körper, mit Gesicht und Stimme ein Lebewesen heraus, dessen persönliches Schicksal berührt.

Großartig geht eine großartige Saison zu Ende. Wehmütig verlässt das Publikum den Saal. Es wird wieder ein Jahr dauern, bevor das alte, verstaubte, aber von allen so geliebte Südbahnhotel von interessanten Künstlern zum Leben erweckt werden wird.

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Petra Reski, Als ich einmal in den Canal Grande fiel. Vom Leben in Venedig

Droemer Verlag

Petra Reski ist eine mutige Frau, die sich traut, die Machenschaften der Politiker, Tourismusgiganten und Aufkäufer Venedigs aufzudecken und mit Fakten und Zahlen zu belegen. Mutig deswegen, weil sie offensichtlich keine Angst vor Repressionen hat. Von Rückschlägen und Rauswürfen (z.B. aus dem Büro des Ex-Bürgermeisters Cacciari) lässt sie sich nicht entmutigen.

Als Journalistin unter anderem für FAZ und Stern war sie schon fast überall in der Welt. Aber Venedig war erst spät auf ihrer Liste. Humorvoll beschreibt sie ihre staunende Naivität, mit der sie Venedig 1989 das erste Mal erlebt. Gleich zu Beginn lernt sie einen Venezianer kennen, der bald darauf „ihr Venezianer“ wird. Dieser wohnt in einem Palazzo, stammt aus einem Dogengeschlecht und beschäftigt sich hauptsächlich mit Bewahren und Sammeln. Alles, was für Venedig heute und in der Vergangenheit wichtig ist. Seit sie ihn das erste Mal sah, sind 30 Jahre vergangen, und beide sind ein Paar und kümmern sich um das Schicksal von Venedig. Jeder auf seine Weise.

Mit viel Humor beschreibt Petra Reski ihre Hoppalas, die sie als Neuling in Venedig beging. Wenn sie stolz das neu erworbene Boot durch die Kanäle lenkt, knapp an anderen Schiffen vorbeirammt und bei dem Versuch, das Boot elegant zu vertäuen, in den Canal Grande fällt. Schnell aber wird sie ernst. Immer intensiver beteiligt sie sich an den Widerstandskämpfen gegen Korruption und Ausverkauf, verteilt Infozettel, auf denen für ein Referendum über die Autonomie Venedigs geworben wird. Obwohl genug Stimmen zusammenkommen, erklärt der Bürgermeister Luigi Brugnaro das Referendum mit einem fadenscheinigen Grund für ungültig. Die Autonomie wäre lebensrettend für Venedig. Denn alle bisherigen Bürgermeister lebten nie in Venedig, hatten kein Interesse am Erhalt der Stadt.

Viele Probleme, die Petra Reski aufzeigt, sind Venedigliebhabern bekannt. Wie die Vermietung jedes Quadratmeters an Touristen, der Ausverkauf der Paläste an Immobilienhaie, Benetton oder Pinault.Aber von den verheerenden Konsequenzen wird man erst durch dieses Buch klipp und klar informiert.

Die Kreuzfahrtschiffe kommen trotz Verbotsankündigungen immer noch nach Venedig. Und eines der größten Probleme ist die Zerstörung des Ökosystems in der Lagune. Nach dem Hochwasser von November 2019 von 1,60 m wird klar, wie sinnlos das vielgelobte Schleusensystem MOSE ist und wieviel Geld damit verschleudert wurde. Es sind die korrupten Politiker, die an Venedigs Ausverkauf ordentlich verdienen.

Am Ende des Buches beschreibt Petra Reski die Zeit des Lockdowns, als Venedig frei von den Touristenmassen, Ausflugsbooten und singenden Gondolieri war. Eine Zeit der Stille und Schönheit, die nicht lange andauern wird.

Petra Reski schrieb ein Buch, das alle Venedigliebhaber lesen sollten. Aber nicht nur die. Es sollte Pflichtlektüre für alle werden, die an Venedig verdienen und es sukzessive zerstören. Aber das bleibt Wunschdenken.

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Kultursommer Semmering: Loriot und die Welt der Musik. J.Lorenz und D. Keberle

Am Klavier: Cécile Restier

Hatten wir die letzten beiden Jahre nichts zu lachen – an diesem Nachmittag konnten wir das Manko zur Genüge auffüllen.

In dem wunderbar dekadenten, leicht ruinösen Südbahnhotel boten Joseph Lorenz und Daniel Keberle Kabarett vom Feinsten, vom Feinsinnigsten und verdienten sich den Ehrentitel „Castor und Pollux am Sternenhimmel des Kabaretts“. Beide sind ein eingespieltes Paar. Treue Besucher des „Kultursommer Semmering“ werden sich an das ironische Pingpong zwischen Max und Anatol erinnern.

Unter dem Motto „Ein bisserl Oper am Semmering“ gab es zu Beginn Loriots bissige Gedanken zu Opern von Bizet, Rossini , Händel, Mozart. Besser gesagt zu den nicht immer logisch nachvollziehbaren Libretti. Alles kam locker hinüber, unvorhergesehene Hoppalas und Zwischenfälle waren geschickt eingeplant und platziert. Cécile Restier spielte aus den jeweiligen Opern die bekanntesten Stücke, dazu passend in flotter „Gassenhauer-Manier.“

Nach Loriot wühlten Castor und Pollux in der Humorkiste und wurden bei Hugo Wiener, Anton Kuh, Friedrich Torberg und Leo Slezak fündig. Gustostückerln aus der berühmten Doppelconférance Farkas-Waldbrunn, etwa über den Statistiker oder die Levkojen bereiteten den beiden ebenso viel Vergnügen wie dem Publikum. Dass Joseph Lorenz auch singt und pfeift, ist für „Lorenz-Kenner“ ein Novum. Im tiefsten Meidlingerisch sang und pfiff er die deftige „Bassenamelodie“ (aus der Liedersammlung von Kurt Sowinetz) über den „Hausmasta“, der alle bespitzelt und verleumdet. Daniel Keberle ließ sich nicht lumpen und forderte Lorenz zum Kunstpfeifduell heraus. Zu Lachsalven reizte Joseph Lorenz das Publikum mit seiner mitreißenden Darstellung des leidgeplagten Kapellmeisters (Text: Anton Kuh), der den Tristan dirigieren muss und alles, Musik und Instrumente, in Grund und Boden hasst. Als herausforderndes Pinpong gestalteten die beiden den Schluss als Schüttelreimduell. Das Publikum dankte dem Trio mit viel Applaus!

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Grafenegg: Tschechische Philharmonie: Kabelac und Mahler

Programm: Miloslav Kabelac, Mysterium der Zeit

Gustav Mahler: Symphonie Nr. 5

Dirigent: Semyon Bychkov

Ein Konzert für Romantiker. Die Tschechischen Philharmonie unter Semyon Bychkov erfüllt die Erwartungen der Romantiker. Denn der Dirigent fordert vom Orchester die ganze Wucht der Dramatik bis hin zu den leisesten Tönen der Gefühlsskala. Das Programm war klug ausgewählt und die Komponisten passten in vieler Hinsicht zueinander.

Miloslav Kabelac (1908 -1979): Mysterium der Zeit (1957)

Miloslav Kabelac schrieb acht Symphonien, die erst jetzt so langsam „entdeckt“ und aufgeführt werden. Sein Leben ist von Verfolgung in der Nazizeit geprägt. 1908 in Prag geboren, wurde er 1932 Dirigent und Regisseur beim Prager Rundfunk. Als er 1939 mit der Kantate „Weichet nicht“ gegen den Einmarsch der deutschen Truppen in sein Land protestierte, wurden seine Werke auf den Index gesetzt. Gemeinsam mit seiner Frau, der jüdischen Pianistin Berta Rixova, überlebte er die Jahre des Nationalsozialismus im Untergrund. Aber auch dem nachfolgenden sozialistischen Regime gefielen seine Kompositionen nicht und wurden bis zu seinem Tod 1979 nie gespielt.

Mit diesen Informationen (dank der ausgezeichneten Texte von Wolfgang Stähr im Programmheft) ausgestattet, wartete man gespannt auf die Komposition. Wie der Titel verheißt – es ging um die Zeit. Sie ist das Absolute, das Unveränderbare, zu Beginn im leisen Takt einer Uhr angedeutet. Der medidative Anfang steigert sich zu rauschhaftem Aufruhr. Man wird an religiöse Tänze aus Indonesien erinnert, bei denen die Teilnehmer unter der Leitung eines Priesters in Trance verfallen. Je heftiger die Schläge der Zeit ertönen, desto mehr gleitet die Musik aus der Trance in den Aufruhr, der eine Endzeit ankündigt. Gewaltig endet dieses kurze Stück, das so minimalistisch leise begann.

Gustav Mahler: 5. Symphonie (1901-1902)

Mit den Trompetenfanfaren weckt Mahler die Menschen aus der Lethargie der Jahrhundertwende. Die „Marcia Funebre“ lässt keine Melancholie zu, gleich darauf folgt ein neuerlicher Weckruf der melancholisch-lethargischen Gemüter. Semyon Bischkov fordert genau das richtige Tempo ein: Zeit geben, die Themen wirken lassen, ohne die Töne zu überdehnen. Und so entwickelt er gekonnt den Aufruhr, das Superdrama, diesen Kampf zwischen dem lethargischen Tod und dem alles Leben Begehrende, vor den Ohren und Augen der Zuhörer.

Diese Thematik setzt sich im 2. Satz fort: Aufruhr und Ruhe im ständigen WEchsel. Beruhigend die feinen Cellipassagen.

Im 3. Satz Am Ende kombiniert Mahler kunstvoll alle Themen zu einem fulminanten Schluss.

Das Adagietto

Das Adagietto, bestens bekannt aus dem Film „Tod in Venedig“ von Visconti, ist wohl das meist gespielte Stück im Radio. Keine Wunschsendung ohne Adagietto. Richard Strauss schrieb 1905 an Mahler:“Ihre 5. Symphonie hat mir neulich …große Freude bereitet, die mir durch das kleine Adagietto etwas getrübt wurde. Daß dasselbe beim Publikum am meisten gefallen hat, geschieht Ihnen dafür auch ganz recht.“ (zitiert nach Programmheft)

Und so ist es bis heute noch: Dieses kurze Stück begeistert, dem Dirigenten und Orchester sind die Diskussionen um Kitsch oder Nichtkitsch herzlich egal. Dem Publikum auch. Man versinkt ist dieser zärtlichen Erotik und der umbändigen Sehnsucht nach Vergessen. Alltag und Banalitäten rücken ab. Es passt nicht hierher, die Emotionen mit Worten nachzubilden. Sie sind stark, und überschreiten die Grenzen der Sprache.

Abkühlen und Aufwühlen: 5. Satz

Mahler und Bishkov wecken die Zuhörer aus ihrem Wohlfühlsentiment. Das Rondofinale ist pfiffig-ironisch, tänzelt, dröhnt, um am Ende in einer betörenden Apotheose des Sieges zu enden.

Nie endenwollender Beifall für Bischkov und das Orchester. Minutenlange Standing Ovations.

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Grafenegg Festival 2021: European Union Youth Orchestra: Weber, Glasunow, Sibelius

Dirigent: Vasily Petrenko

Selbstbewusst und flott treten die Musikerinnen – mit blauem Schal+Stern geschmückt- und Musiker auf, strahlen Lebens- und Musizierfreude aus. Das European Union Youth Orchestra – kurz EUYO – gilt als Vermittler zwischen Musikhochschulen und der professionellen Musikwelt. Seit seiner Gründung 1976 hat es sich zu einem der führenden Jugendorchester entwickelt.

Vasily Petrenko dirigiert ganz ohne Starallüren, mit Feingefühl auf die einzelnen Musiker eingehend. Wie intensiv der Kontakt zwischen ihm und den Musikern ist, zeigen diese am Ende jedes Musikstückes durch lauten Beifall und Füßetrampeln.

Die Ouvertüre zur Oper „Der Freischütz“ von Carl Maria von Weber steht am Beginn des Programms. Die Natur, der Himmel, von kleinen Wolken geschmückt, das Rauschen der Bäume und die letzten Vogelstimmen ringsum passen in die Musik oder umgekehrt. Volle Romantik ist angesagt, wenn auch Petrenko manchmal zugunsten dieser manche Strecken zu langsam dirigiert. Ihm ist wohl Stimmung wichtiger als Dramatik. Dass diese Musik einst zur „spezifisch deutschen Musik“ erklärt wurde und man dabei den deutschen Wald rauschen hörte, ist heute obsolet. Das Publikum genießt die Romantik ohne jegliche politische Notation. Und die umgebende Natur spielt mit hinein.

Im Konzert für Alt -Saxophon und Streichorchester von Alexander Glasunow glänzt die 23 Jahre junge Jess Gillam auf dem Saxophon. Im dezenten goldbraunen Hosenanzug und weißen Tennisschuhen – die Meckerer hätten da wieder was zu meckern – verschmilzt sie perfekt mit ihrem Instrument. Sie hat den langen Atem für Kantilenen, variiert zwischen Jazz, Barmusik und klassischer Romantik und holt aus ihrem Instrument die unterschiedlichsten Rhythmen und Tempi heraus. Der Schreiberin dieser Zeilen geht bei der Darbietung von Jess Gillam immer wieder die Figur des Pierrot durch den Sinn. Pierrot, der den Mond herunterholen möchte. Und als ob Gedanken das Geschehen beeinflussen könnten, steigt ein fast voller Mond zwischen den Bäumen hoch. Musik und Natur verschmelzen zu einer Einheit, die mich verzaubert. Man verzeihe mir das Foto, ich musste es machen und hier hineinstellen:

Gleich hebt die Solistin ab und holt mit ihrem Spiel den Mond auf die Erde.

Nach der Pause: Jean Sibelius „Symphonie Nr. 2, D-Dur op.43

So auf volle Romantik eingestimmt, fällt man in die Musik Sibelius‘ mit ungebremsten Gefühlen hinein. Vasily Petrenko ist in seinem Element und reißt die Musiker zu Höchstleistungen mit: Alles wird aufgeboten: hauschzarte Geigensoli, schwungvolle Dramatik, impulsierender Tempo- und Stimmungswechsel. Kühn akzentuiert Petrenko durch forcierte Pausen die einzelnen Motive, sie steigen auf, verschmelzen, kommen wieder. Sibelius entwickelt in dieser Symphonie einen unglaublichen Themenreichtum. Als bekennende Italienliebhaberin lasse ich dabei die von mir so geliebten Landstriche aufsteigen. Das ist legitim, denn Sibelius skizzierte die Grundthemen der 2. Symphonie auf seiner Reise durch Italien. Er schwelgt in Dramatik, Bukolik, um schließlich in einem triumphalen Finale zu enden. Mitreißend! Langer Beifall des Publikums und – wie gehabt – des ganzen Orchesters. Das beginnt dann zu tanzen, die Instrumente zu drehen, zu jubeln, zu klatschen. Ein Finale, das an das berühmte Jugendorchester „El Sistema“ aus Venezuela erinnert. Wer kann nach so einem Abend gleich ins Auto steigen und heimfahren? – Ich schlendere durch den abendlichen Park des Schlosses, langsam werden die Stimmen ringsum leiser. Einige Gäste genießen noch ein Glas Wein und bestaunen den Mond. Ich auch.

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Landestheater Salzburg. Salzburger Festspiele 2021

© SF/Ruht Walz.: Marcel Kohler als Elis

In einem dnklen Trümmerhaufen von Betonhohlziegeln (Bühnenbild Muriel Gerstner) irrt Elis (Marcel Kohler) umher, trifft auf rätselhafte Gestalten. Alles sieht nach Endzeit, Untergang oder Unterwelt aus: Aufgebaute Mauern stürzen ein, dunkle Figuren versuchen sie vergeblich wieder aufzubauen. Wo sich diese Unterwelt der Untoten befindet, rätselt man das ganze Stück hindurch. Rätsellösungen für die verkopfte (manche würden sagen: poetische) Sprache und für die Bilder zu finden, ist die Hauptaufgabe der Zuseher. Was auf die Dauer ermüdet.

Versuch einer Inhaltsangabe (ohne Gewähr auf Richtigkeit)

Elis ist der Welt abhanden gekommen. Er hat sich in die schöne, glänzende Bergkönigin verliebt. Aber die Oberwelt hält ihn noch fest. Dort lebt die junge, ziemlich handfeste und der Gegenwart verbundene Anna. Elis verspricht ihr die Ehe. Doch am Hochzeitstag verlässt er sie und entschwindet ins Bergwerk zur Bergkönigin. Schon aus dieser sehr vereinfachten Inhaltsangabe ahnt man, wo der junge Hofmannsthalt überall in der Literatur gestöbert haben muss: Da wäre einmal das umgekehrte Undinethema: Der Mann sehnt sich nach der Unterwelt im Berg, wird in der Oberwelt untreu. Dann wäre Freud zu nennen mit seiner Psychothese vom ES, Ich und Überich. Nicht zu vergessen: Ibsen, Peer Gynt. Ganz sicher ist der junge, 25-jährige Hofmannsthal auch bei den Romantikern fündig geworden, die Erzählungen von E.T.A. Hoffmann „Die Bergwerke von Falun“ muss er gekannt haben. Die sollen ja auf eine wahre Begebenheit zurückgehen. Im Bergwerk von Fallun habe man eine Leiche eines in Vitriol eingebetteten jungen Mannes, der vor 50 Jahren verschüttet worden sei, fast unversehrt gefunden. Dass Hofmannsthal das Drama nicht sofort fertig stellte und erst viele Jahre später wieder daran zu arbeiten begann, es aber nie veröffentlichte, lässt darauf schließen, dass er starke Zweifel an dem Sujet hatte und es vielleicht nie auf der Bühne sehen wollte.. .

Gute Frage: Warum nun gerade dieses Werk?

Diese Frage mag sich wohl so mancher Besucher am Ende der Vorstellung gestellt haben. Man wolle Hofmannsthal zum 100-jährigen Jubiläum besonders feiern, meinte Schauspielintendantin Bettina Haring in einem ORF-Interview. „Jedermann“ und das Libretto zu „Elektra“ sind zu wenig Hofmannsthal? Wenn schon noch einer, dann wären andere Dramen besser geeignet als dieser Publikumsschreck.

Eines muss besoders gelobt werden: Das Team unter der Regie von Jossi Wieler schlug sich tapfer. Sprachen die unverständlichsten Sätze mit der selbstverständlichen Gelassenheit aus, wohl mit dem Hintergedanken: Über den Sinn mag sich das Publikum den Kopf zerbrechen, wir spielen nach Vorlage. Dieses war wohlwollend genug, die Schausspieler mit Applaus zu belohnen.

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Eva Mattes las Stefan Zweig: Maria Stuart

Landestheater Salzburg, Salzburger Festspiele

Eva Mattes sprang kurzfristig für die erkrankte Hanna Schygulla ein. Viel Zeit blieb ihr nicht, um sich mit der (sehr klugen) Textfassung von Bettina Hering vertraut zu machen. Deshalb ließ sie sich auf keine Extravaganzen ein, sondern las den Text solide, ohne dramatische Höhen und Tiefen herauszuarbeiten. Dieses mutige Einspringen belohnte das Publikum mit dankbarem Applaus. Dass in dem Text mehr Gestaltungsmöglichkeiten stecken, war klar, konnte aber aus den gegebenen Umständen nicht erwartet werden.

„Ich hatte genug von Biografien“, schreibt Stefan Zweig in „Die Welt von Gestern“. Aber da fällt ihm ein Bericht über die Hinrichtung Marias in die Hände und schon war seine Neugierde geweckt. Mehrere Bücher mit gegenteiligen Aussagen über die unglückliche Königin verleiten Stefan Zweig, sich wieder dem Genre „Biografie“ zuzuwenden. Und es entstand eine Werk über die beiden Königinnen, das deren Impulse, ihr Wesen, wie sie geworden sind und warum sie so geworden sind, feinsinnig beleuchtet.

„Maia Stuart“ wurde neben der Biografie über „Maria Antoinette“ sein größter Erfolg. “ Ihre „Maria Stuart“ liest sich hinreißend. Sie erwecken die Personen zum Leben“, schreibt Romain Rolland an Stefan Zweig im April 1933 (Zitat aus dem Programm zur Lesung). Obwohl Zweig nicht gerne als „Biograph“ bezeichnet werden wollte, so ist er doch der Vater der heute so beliebten „Romanbiografie“. Er ist sich der Paradoxie, in der ein Biograph steckt, bewusst: Der Leser erwartet die Wahrheit über die beschriebene Person. Doch die Wahrheit kann nur die Wahrheit des Autors sein, also subjektiv. Es war wohl diese Zwickmühle, aus der Zweig einen Ausweg suchte. Und der Ausweg hieß eben „Romanbiografie“. Obwohl es dieses Genre expressis verbis damals noch nicht gab, bereitete Zweig mit „Maria Stuart“ dazu das Feld für dieses heute so gern geschriebene und gern gelesene Genre vor. Er beginnt wie ein Historiker, zählt Fakten wie Jahreszahlen und Orte der Handlung auf. Doch im Verlauf des Textes wird er mutiger, wagt seine persönliche Sichtweise auf den Charakter Marias.. Erklärt ihren Werdegang psychologisch, führt ihre Leidenschaft für Bothwell als Motiv für alle folgenden Taten und Untaten an.

Eine derartige in die Tiefe der Seele hineinleuchtende Interpretation war neu, faszinierte und fasziniert bis heute die Leser. Seit Zweig besteht eine Biografie nicht nur aus( historisch gesicherten?) Fakten, sondern fast zwingend wird vom Autor erwartet, dass er über das HIstorische hinausgeht. Gedanken, ja sogar die innersten Wünsche der Protagonistin Maria dürfen, ja sollen beleuchtet werden. Der Erzähler Stefan Zweig verschwindet hinter der Figur, wird die Figur. Aus dieser Anmaßung, wenn man so will, schildert Zweig die Hinrichtung Marias, lässt den Leser die grauenvollen Minuten miterleben. Er ist nicht Voyeur, sondern Erleidender. Ein starker Schluss, den Eva Mattes unaufgeregt, ohne Pathos vortug.

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Salzburger Festspiele- Eva Mattes las Stefan Zweig: Maria Stuart.

Eva Mattes sprang kurzfristig für die erkrankte Hanna Schygulla ein. Viel Zeit blieb ihr nicht, um sich mit der (sehr klugen) Textfassung von Bettina Hering vertraut zu machen. Deshalb ließ sie sich auf keine Extravaganzen ein, sondern las den Text solide, ohne dramatische Höhen und Tiefen herauszuarbeiten. Dieses mutige Einspringen belohnte das Publikum mit dankbarem Applaus. Dass in dem Text mehr Gestaltungsmöglichkeiten stecken, war klar, konnte aber aus den gegebenen Umständen nicht erwartet werden.

„Ich hatte genug von Biografien“, schreibt Stefan Zweig in „Die Welt von Gestern“. Aber da fällt ihm ein Bericht über die Hinrichtung Marias in die Hände und schon war seine Neugierde geweckt. Mehrere Bücher mit gegenteiligen Aussagen über die unglückliche Königin verleiten Stefan Zweig, sich wieder dem Genre „Biografie“ zuzuwenden. Und es entstand eine Werk über die beiden Königinnen, das deren Impulse, ihr Wesen, wie sie geworden sind und warum sie so geworden sind, feinsinnig beleuchtet.

„Maia Stuart“ wurde neben der Biografie über „Maria Antoinette“ sein größter Erfolg. “ Ihre „Maria Stuart“ liest sich hinreißend. Sie erwecken die Personen zum Leben“, schreibt Romain Rolland an Stefan Zweig im April 1933 (Zitat aus dem Programm zur Lesung). Obwohl Zweig nicht gerne als „Biograph“ bezeichnet werden wollte, so ist er doch der Vater der heute so beliebten „Romanbiografie“. Er ist sich der Paradoxie, in der ein Biograph steckt, bewusst: Der Leser erwartet die Wahrheit über die beschriebene Person. Doch die Wahrheit kann nur die Wahrheit des Autors sein, also subjektiv. Es war wohl diese Zwickmühle, aus der Zweig einen Ausweg suchte. Und der Ausweg hieß eben „Romanbiografie“. Obwohl es dieses Genre expressis verbis damals noch nicht gab, bereitete Zweig mit „Maria Stuart“ dazu das Feld für dieses heute so gern geschriebene und gern gelesene Genre vor. Er beginnt wie ein Historiker, zählt Fakten wie Jahreszahlen und Orte der Handlung auf. Doch im Verlauf des Textes wird er mutiger, wagt seine persönliche Sichtweise auf den Charakter Marias.. Erklärt ihren Werdegang psychologisch, führt ihre Leidenschaft für Bothwell als Motiv für alle folgenden Taten und Untaten an.

Eine derartige in die Tiefe der Seele hineinleuchtende Interpretation war neu, faszinierte und fasziniert bis heute die Leser. Seit Zweig besteht eine Biografie nicht nur aus( historisch gesicherten?) Fakten, sondern fast zwingend wird vom Autor erwartet, dass er über das HIstorische hinausgeht. Gedanken, ja sogar die innersten Wünsche der Protagonistin Maria dürfen, ja sollen beleuchtet werden. Der Erzähler Stefan Zweig verschwindet hinter der Figur, wird die Figur. Aus dieser Anmaßung, wenn man so will, schildert Zweig die Hinrichtung Marias, lässt den Leser die grauenvollen Minuten miterleben. Er ist nicht Voyeur, sondern Erleidender. Ein starker Schluss, den Eva Mattes unaufgeregt, ohne Pathos vortug.

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Ivica Prtenjaca, Der Berg. FolioVerlag

Aus dem Kroatischen von Klaus Detlev Olov

Die Geschichte liest sich zu Beginn wie die Umkehr des Romans von Marlen Haushofer „Die Wand“. Während die Protagonistin in Haushofers Roman unfreiwillig durch eine unsichtbare Wand von der Welt abgeschlossen wird, begibt sich der Icherzähler freiwillig und aus Ekel an dem oberflächlichen Leben, das er bisher als Kulturbobo in Zagreb führte, auf eine kleine Adriainsel, um dort in der Bergeinsamkeit drei Monate als Brandwächter zu leben. Wie auch in Haushofers Roman genießt er die Gesellschaft eines Tieres, nämlich eines alten Esels, den er ob der Würde und Gelassenheit, die dieser ausstrahlt, Visconti nennt. Gelegentlich auch „Graf Visconti“.Als dieser altersschwach sich zum Sterben hinlegt, bleibt er bis zum letzten Atemzug bei ihm und begräbt ihn oben auf dem Berg. Die erste Zeit genießt er die Einsamkeit, die Wildnis und die primitive Behausung. Doch aus dem Rückzug aus seinem eigenem Leben taucht der Icherzähler immer mehr in die Vergangeneit der Inselbewohner (wahrscheinlich Male Losinj) ein, erfährt von den Wunden, die der letzte Krieg in den Seelen der Menschen dauerhaft geschlagen hat. Aus dem Menschenflüchter wird ein Menschenversteher, der die Würde der wenigen Bewohner dieser Insel erkennt und achtet.

Ganz ungestört bleibt sein Rückzugsort nicht. Immer wieder marschieren Scharen von Touristen auf den Berg, meist gänzlich ohne Blick für die Natur, oft muss er sie sogar mit Wasser und selbstgebackenem Brot „laben“, was ihm den Schein eines Naturheiligen verleiht. Mit Ärger und Argwohn beobachtet er mit seinem Fernrohr die Zunahme des Tourismus und fürchtet um die Existenz der Inselbewohner. Der Ärger über die Menschen, die ohne Respekt und Einfühlungsvermögen über die Insel trampeln, wird immer stärker:“Der Ekel vor dem menschlichen Verhalten (gemeint der Touristen) hat bei mir alle anderen Emotionen und Einstellungen überwuchert.“ (p 127)

Dem Autor ging es nicht um eine neormantische Verherrlichung der Natur, schon gar nicht um eine Art Aufruf à la Rousseau. Auch wollte er nicht einem klösterlich-veganen Leben das Wort reden. Also warum dann dieses Buch? Es ist die sprachlich gelungene Version einer Einkehr in sich selbst, ohne den Blick auf die Außenwelt zu verlieren. Und es ist eine Mahnung, nicht die letzten Rückzugsorte der Ursprünglichkeit zu zerstören. Denn als er nach Ablauf der drei Monate die Insel verlässt, rücken Bagger und Kräne an. In der stillen Meeresbucht Javorna soll ein Luxusresort mit Golfplatz errichtet werden. Die Bewohner wurden bereits enteignet. – Er kehrt zurück nach Zagreb, begleitet von der Hündin Ciba, die ihm auf dem Berg oben zugelaufen ist. Ob er nach den drei Monaten auf dem Berg ein anderer geworden ist? Welches Leben wird er in Zagreb führen? Alles bleibt offen.

http://www.folioverlag.com