Eine Übernahme aus dem Düsseldorfer Schauspielhaus aus der Spielzeit 2016/17

Regie: Lore Stefanek, Bühne und Kostüm: Janina Audick

Georgie Burus: Caroline Peters, Alex Priest: Burghart Klaußner

Man nehme: Einen superklugen Komödientext, zwei irre gute Schauspieler – und fertig ist ein toller Theaterabend! Man muss sich auf dem Wiener Theaterteppich viele, qualvoll langweilige Stücke ansehen, bis man endlich auf eines wie dieses stößt, das „alle Stückeln“ spielt. Und das ist dann eine Übernahme aus Düsseldorf. Keine Eigenproduktion.

Bitte sich nicht vom Titel irritieren lassen und während der Aufführung irgendeine intelligente Erklärung dafür suchen! Wahrscheinlich gibt es keine, er – der Titel – ist Teil der Komödie. Wer unbedingt eine Erklärung braucht: bitte sehr -hier meine. Sehr simpel. Irgendwie spricht Heisenberg von der Unmöglichkeit, zwei komplimentäre Eigenschaften eines Teilchens gleichzeitig genau zu bestimmen. Die beiden unmöglichen Elemente sind die 44 jährige Georgie und der 77 jährige Alex. Im normalen Leben würden sie aneinander vorbeigehen, sie wären nicht gleichzeitig genau zu orten. Aber Georgie, die an einer nervtötenden Logorrhoe leidet, quatscht den schüchternen Alex auf dem Bahnhof an. Er reagiert abweisend, was aber Georgie nicht stört. Sie lässt nicht locker. Findet seinen Arbeitsplatz – eine Fleischhauerei ohne Kunden – heraus und stalkt ihn ganz ohne Genierer. Wie dieser grantige Alex da in seiner weißen Fleischhauerschürze in der Tür seines Geschäftes steht und um nichts in der Welt auch nur ein Zipfelchen seiner Gedanken freilegen will, das erinnert an die Fleischhauer-Szene aus den „Geschichten aus dem Wiener Wald“ – nur mit umgekehrten Vorzeichen: Hier nun ist es Georgie, die sich diesen Mann krallen will – ganz einfach, weil sie Geld braucht! Die Szene könnte auch von Nestroy sein.

Wie sich die Temperatur zwischen den beiden ganz langsam ändert, sie sogar Sex haben (übrigens ganz ohne peinliche Nacktheit) und dann gemeinsam nach Amerika aufbrechen, um den Sohn Georgies zu suchen, das alles ist nicht billige Komödie, sondern faszinierend- tiefgründiger Text, gepaart mit kongenialer Schauspielkunst.

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Theater in der Josefstadt

Regie: Janusz Kica, Bearbeitung: Nicolaus Hagg

Noch ist der Dramaturg nicht geboren, der eine spannende, stringente Fassung der Strudelhofstiege verfassen kann. Der müsste ein Genie sein. Nicolaus Hagg ist zwar ein erfahrener „Bearbeiter“ und hat auch für Reichenau (im Südbahnhotel) vor Jahren ein Fassung erarbeitet, aber auch die war sperrig, um nicht zu sagen langweilig. Das lag sicher nicht an ihm.

Nun nochmals in der Josefstadt. Man fragt sich für wen? Für Leute, die wie ich, den 1000-Seitenroman immer nur angefangen und ihn nach 50 Seiten ermattet weggelegt haben, ist diese Theaterfassung keine Aufmunterung, ihn doch einmal zu lesen. Für die versierten Dodererfans – und davon soll es ja einige geben – keine Bestätigung ihrer Begeisterung. Sie werden sich fragen: Cui bono?

Also das Beste, was man über diesen Abend sagen kann: die Schauspieler bemühen sich! Und das kommt eigentlich einem Negativurteil gleich. Da steht ein Melzer (Ulrich Reinthaller) ziemlich rat- und empfindungslos am Rande der Bühne und sieht dem Treiben der Reichen und Verwöhnten zu. Sie müssen sich Emotionen schaffen, am Besten, man klettert auf die Rax, da gibt es wenigstens den klitzekleinen Kitzel der Gefahr. Das war noch vor dem Ausbruch des 1. Weltkrieges. Danach ist die ganze Gesellschaft monitär und auch sonst sehr reduziert. Die Frauen mehr hysterisch als zuvor, die Männer teils melancholisch wie Melzer oder verzweifelt. Man spricht nicht wirklich miteinander, sondern murmelt gescheite Stehsätze vor sich hin. Manchmal hat eine, zum Beispiel Etelka (Pauline Knof), orgiastisch-hysterische Ausbrüche und schleckt alle Männer, die sie ergreifen kann, mit ihrer gierigen Zunge ab, bevor sie sich umbringt. Hysterie, die eher peinlich wirkt. Dazwischen die „Geistfigur“ des Major Laske (Roman Schmelzer), der eigentlich tot ist, aber vom Rande des Geschehens seine Kommentare abgibt. Als sich das gnädige Dunkel über die Bühne senkt, sind alle froh. Die Rätsel des Romans bleiben mir, der Nichtdoderer-Leserin, ungelöst. Wahrscheinlich auch denen, die schon in der Pause das Weite gesucht haben.

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Elisabeth-Joe Harriet als Olga Schnitzler und Beatrice Gleicher als Berta Zuckerkandl.

Idee, Text und Regie: Elisabeth – Joe Harriet

“ Schon als junges Mädl mischten Sie sich in Männergespräche, wussten alle um sie herum zu faszinieren. Wie machten Sie das nur?“ fragt Olga Schnitzler ein wenig neidisch und ein ganz kleines Bisserl eifersüchtig Berta Zuckerkandl. – Ein leichtes Schmunzeln, unmerkliches Achselzucken und die uneitle Antwort: „Ich bin in einer weltoffenen Familie aufgewachsen. Wir Kinder waren gewohnt, an den Gesprächen der Erwachsenen teilzunehmen. Und da ging es meist um Politik und Kunst.“

Elisabeth-Joe Harriet als Olga Schnitzler in einem roten Gehrock und streng zurückgekämmten Haaren führt das Gespräch geschickt, diskret, gibt sehr bald die Führung an Berta ab. Beatrice Gleicher als Berta Zuckerkandl, in einem jugendstilartigen Umhang, die Haare zu einem üppigen Knoten gekämmt, erzählt mit lebhaftem Geist, Humor und sehr viel Empathie für die Figur Details aus dem Leben dieser interessanten Frau.

Flüssig, als stünden sie nicht auf einer Bühne, unterhalten sich da zwei Damen, reden über Politik, das Leben, die Männer und wie es war, damals, so um 1900, eine selbständige, kluge Frau gewesen zu sein. Und unmerklich gleiten sie ins Präsens, sprechen sich mit einem vertrauten Du an, das Geschehen wird gegenwärtig. Fasziniert hört man Bertas Erinnerungen zu: Über ihren Vater Moritz Szeps, Herausgeber des „Neuen Wiener Tagblatts“ und Freund des Kronprinzen Rudolf. Sie begleitet ihren Vater auf all seine Reisen, protokolliert die Gespräche und Geschehnisse. Mit den „Großen“ der Weltbühne zu sprechen, ist ihr selbstverständlich. Ohne Scheu heckt sie mit George Clémenceau, dem späteren Ministerpräsident Frankreichs, die bösesten Scherze aus, bezaubert ihn so sehr, dass er einen Brief an sie mit den Worten endet: “ A toi, Ma vie! Sie heiratet mit 22 Jahren den Anatomieprofessor Emil Zuckerkandl, führt wie schon ihre Mutter einen Salon, wo sich alles, was in Wien Rang und Namen hat und nur einen Hauch von künstlerischer Verrücktheit aufweisen kann, trifft. Während des Ersten Weltkrieges tritt sie als Vermittlerin zwischen Frankreich und Österreich auf, wird in Österreich deswegen sogar der Spionage verdächtigt. Doch all ihre Friedensbemühungen sind umsonst. Österreich ist nach 1918 am Ende, Tausende Kinder verhungern. Da schreibt sie, von einem tiefen Gefühl des Mitleidens um das Schicksal der Kinder geleitet, einen zu Herzen gehenden Brief an George Clémenceau und bittet ihn, der inzwischen Österreich als Feind betrachtet, um Hilfe. Und die Hilfe kommt.

Als Beatrice Gleicher als Berta Zuckerkandl diesen Brief, den Harriet aus den Tiefen der Nationalbibliothek ausgegraben hatte, vorliest, wird es still im Raum. Sie selbst und viele der Zuhörer kämpfen mit den Tränen. So nah ist die Vergangenheit, so direkt in die Seele eindringend!

1938 muss Berta Zuckerkandl Wien fluchtartig verlassen. Über Paris reist sie nach Algier, wo sie bis 1945 lebt. Nach dem Zusammenbruch des Deutschen Reiches kehrt sie nach Paris zurück, wo sie am 16. Oktober 1945 stirbt.

Dieses intime Gespräch zwischen zwei höchst interessanten Frauen sollte man nicht versäumen. Die nächsten Termine:

6. Oktober , 10. November, 8. Dezember 2019, 12. Jänner, 9. Februar, 8. März, 19. April 2020 jeweils sonntags um 15 Uhr im Steigenberger Hotel Herrenhof, Herrengasse 10.

Anmeldungen: 0676/899 68 050 oder per E-Mail: sylviareisinger@aon.at

Alle Informationen zu Elisabeth – Joe Harriets Aktivitäten: http://www.elisabeth-joe-harriet.com

Beatrice Gleicher ist die Gründerin der Theatergruppe „KUNSTSPIELEREI“ und spielt u.a. Berta Zuckerkandl im Stück „Berta Zuckerkandl -Willkommen in meinem Salon“. Ab 9. November 2019 hat ihre neue Produktion „Ankunft. Heute. Hedy Lamarr“ im Palais Schönburg Première http://www.kunstspielerei.com

Untertitel: Wie der politische Islam unsere Gesellschaft verändert.

Ein wichtiges Buch. Ohne zu polemisieren, analysieren die beiden Autoren nüchtern die Lage: Und die heißt: Es ist später, als du denkst! Der politische Islam hat auf legistischem Weg unsere Gesellschaft schon längst unterwandert, sich in öffentlichen Institutionen eingenistet und weit reichende Veränderungen im Denken unserer demokratischen Gesellschaft erreicht.

Die gefährlichsten und augenscheinlichsten Veränderungen sind schon passiert: An manchen Schulen beherrschen Burschen mit islamistischem Hintergrund die Klasse, sehr oft auch die Lehrer und Lehrerinnen. Unsere Gesellschaft beugt sich, lässt aus falsch verstandenem Toleranzgedanken zu, dass Mädchen und Lehrerinnen sich ihrem Kleiderkodex unterwerfen. Das ist nur ein kleines Detail – die Unterwerfung, getarnt als multikulturelle Einbindung der Moslems in unsere Gesellschaft – ist dem immer und überall von der demokratischen Seite her gepredigten Toleranzgedanken geschuldet. Erst vor einigen Wochen überlegten die Parlamentsparteien wieder einmal, das Kultur- und Konferenzzentrum König Abdullahs. Vorläufig ist es beim Überlegen geblieben. Fix ist nix. Die Autoren liefern überzeugende Fakten – aber wo ist die Gegenwehr der demokratischen Gesellschaft? Scholz und Heinisch warnen: „Wenn es uns nicht gelingt, die Ausbreitung des politischen Islam zu stoppen, wird eine steigende Anzahl fundamentalistisch eingestellter Muslime unsere Gesellschaft und politischen Systeme sukzessive verändern.“

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Den Namen muss man erst einmal erfinden: Immerjahn. Das klingt nach Jammern, Lebensunfähigkeit. Gotthelf dazu! Gott kann so einem Menschen wie Gotthelf Immerjahn auch nicht wirklich zu einem sinnvollen Leben verhelfen.

In Barbara Zemans Debütroman langweilt sich Gotthelf Immerjahn gründlich – und der Leser mit ihm. Der Mann hat alles: Eine Villa, von Mies van der Rohe gebaut, eine Kunstsammlung, um die ihn jedes Museum beneiden würde: unzählige van Goghs, und noch Dutzende andere große Namen. Die hängen alle dicht auf dicht in seiner Villa. die er demnächst zu einem Museum umgestalten will. – Aber eben nur will, sein Plan bleibt Plan, weil Immerjahn eigentlich nicht will. Alles sträubt sich dagegen. Diesen immensen Reichtum hat ihm sein Vater hinterlassen, der mit der Zementfabrik viel Kohle machte. Der Sohn ist der typische Erbe: ihn ödet alles an. Er mäandert durch die Villa, durch seine Vergangenheit und durch seine nicht existierende Zukunft, bleibt an belanglosen Kleinigkeiten hängen. Genau da ist die Crux dieses Romans zu orten: Nicht jeder Leser ist bereit, diesen Irrweg des jammernden Immerjahns mitzugehen. Herr Gott, soll er doch endlich aufwachen, irgendetwas Gscheites mit dem Erbe machen, denkt so manch einer (auch ich) beim Lesen. Und mir fiel ein anderer, real existierender Erbe ein: Antonio Presti. Sein Vater hat mit Beton das große Geld gemacht, Sizilien – wahrscheinlich mit Hilfe der Mafia – zugepflastert. Sohn Antonio will mit Beton nichts zu tun haben – er steckt das geerbte Geld in Kunst, stellt Projekte auf wie „Fiumara d‘ Arte“, baut ein „Museo Albergo“ und gründet einen Verein, der Straßenkinder unterstützt. So geht’s auch.

Ob die Autorin die jämmerliche Untätigkeit eines typischen Erben aufblättern möchte, ist zu bezweifeln. Da liest man eher Bewunderung für die Welt der Reichen, der Kunstsammler und Kunstkenner, der Nichtstuer heraus. Die Sprache ist gewollt gekünstelt, krallt sich an Details fest, die uninteressant sind. Ironie ist nicht ihre Domäne. Aber das Feuilleton liebt Barbara Zeman.

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Choreographie: Davide Bombana

Bühnenbild, Kostüme und Licht: rosalie

Liebe und Hass wurden von Shakespeare in die Form eines absolut gültigen Dramas gegossen, das Prokofjew und Berlioz als Vorlage für ihre Ballettmusik diente. Hector Berlioz‘ Musik ist weit weniger bekannt als die von Prokofjew, weil seltener gespielt. Daher ist es spannend, das Werk in der Choreographie von Davide Bombana auf der Bühne der Volksoper zu erleben. Er legt den Schwerpunkt auf die gesellschaftliche Auseinandersetzung verschiedener sozialer Schichten: Die Montagues sind eine Straßengang, die ihren Mut an den noblen Capulets erprobt. Die Kampfszenen erinnern sehr an die „Westside Story“ von Bernstein. Hochdynamisch die Leistungen von Martin Winter als Tybalt, Alexander Kaden als Mercutio und Gleb Shilov als Benvolio. Arne Vandervelde als Romeo (Rollendebüt) kann mehr in diesen Kampfszenen brillieren als als Verliebter. In der bekannten Gartenszene, in der er um Julias Liebe wirbt und sie sich ihm hingibt, bleibt er an Zartheit, Einfühlungsvermögen hinter ihr (Maria Yakovleva) weit zurück. Diese Julia hat alles: Jugendliche Strahlkraft, Ungestüm, Hingabe und das große Urvertrauen in die Liebe.

Schuld an dem Hass zwischen den beiden Familien ist die Königin Mab, aus dem Reich des Unbewussten, mag sein auch aus den Träumen entstanden. Katevan Papava (Rollendebüt) tanzt sie mit einem alles hinwegschwemmenden Furor. Wo sie auftaucht, gibt es keine Versöhnung. Selbst als der Priester Lorenz am Totenbett der beiden Liebenden die verfeindeten Familien mit beschwörenden Tanzsequenzen zur Versöhnung mahnt, gelingt das nur für kurze Momente. Intensiv dazu das Lied des Tenors Mehrzad Montazeri (Rollendebüt), der die Menschen auffordert, den Hass zu vergessen und die Herzen für die Liebe zu öffnen. Vergeblich -Schon zerrt Mab die Hände auseinander, die sich die Familien als Zeichen des Friedens gereicht haben.

Besonders hervorgehoben sei noch die Gesangssolistin Martina Mikelic, die zum Solo Julias, die von der Liebe zu Romeo träumt, das Lied von der Verzauberung durch die erste Liebe singt. – Eine Szene, die in Erinnerung bleiben wird.

Die Musik von Berlioz klingt unter dem Dirigat von Gerrit Prießnitz wuchtig und zart zugleich. Manchmal scheint es jedoch, als jagte er die Tänzer durch sein Extremtempo allzu sehr von einer Figur in die andere.

Rosalie (Gudrun Müller) starb 2017 mitten in den Vorbereitungen zu diesem Ballett, ihre Entwürfe wurden von Thomas Jürgens realisiert. Das aus farbigen Lichtstäben fast irreale Bühnenbild passt sich atmosphärisch an die Temperaturen der Szenen an: Einmal eisig weiß-kalt, dann kämpferisch-rot. Nie romantisch. Fast als würde es die Liebe negieren wollen.

Ein großartiger Abend, der wieder einmal zeigt, was das Staatsopernballett leisten kann!!

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Elke Körver und Maria Caleita, nach William Rose

Wer wie ich nie den Film mit Alec Guiness gesehen hat, geht unvoreingenommen in diese Komödie – und genießt sie. Die schlechten Kritiken verstehe ich ganz und gar nicht.

Was mich wundert: Es gibt kein Programm, nur einen Theaterzettel mit den Namen aller Beteiligten – außer dem eines Regisseurs. In den einzelnen Kritiken lese ich, es sei Cesare Levi. Hat er sich von dieser Regie distanziert oder wurde sein Name bei der Première versehentlich genannt oder jetzt versehentlich vergessen? -Egal, es erwartet mich also ein Stück, bei dem alle Beteiligten Regie führten – denke ich. Flugs vergesse ich die Frage nach dem Regisseur und genieße den Abend, lache herzlich und merke nichts von „eingeschlafenen Füßen“, wie ein Kritiker schreibt.

Bühnenbild von Maurizio Baló und Kostüme von Birgit Hutter passen gut – ein wenig verplüscht und verrüscht, wie es sich für ein englisches Haus und seine Bewohner aus der Zeit der Jahrhundertwende gehört. Marianne Nentwich als Mrs. Wilberforce bringt die nötige Naivität einer alten Dame mit. Sie holt sich – wie in „Biedermann und die Brandstifter“ – die Bösewichte selbst ins Haus. Und wie sollte sie dem verqueren Charme der Bande nicht erliegen? – allen voran dem des herrlich verschrobenen Professor Marcus von André Pohl. Wojo van Brouwer ist ein herzensguter Gauner, der es nie übers Herz brächte, diese alte Dame zu töten. Martin Zauner und Siegfried Walther treiben ihre Figur auf eine herrliche Spitze des Unsinns. Markus Kofler liefert eine gekonnte Parodie des „coolen“ Verbrechers. Dem ganzen Team war die Freude am Ulk und der (maßgerechten) Übertreibung voll anzumerken. Wenn tatsächlich alle Akteure gemeinsam das Stück erarbeiteten, dann sollte der Herr Direktor öfter „regielose“ Stücke spielen. Spart Geld und kommt beim Publikum gut an, wie der Applaus an diesem Abend zeigte.

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Am besten, man vergisst Roths Roman und sieht die Aufführung mit unverstelltem Blick, ohne Erinnerung daran, mit welchem Leid Roth seine Figuren erfüllt hat und wie sehr man dadurch erschüttert wurde.

Leiden müssen in der Inszenierung alle. Schauspieler, weil es der Text so will, Zuschauer, weil die Aufführung viel zu lang ist.

Zu Beginn fasziniert das scherenschnittartige Bühnenbild (Stefan Hageneier): Auf einer ins Unendliche gähnenden Leere bewegen sich die Menschen, verloren in ihrer Einsamkeit. Amerika leuchtet als Hoffnungsland in hellem Schriftzug, dann wieder als Land, das keine Heimat sein kann, weil zu fremd, in schwarzen Großbuchstaben. Aha, denkt man, der Regisseur Christian Stückl setzt auf Abstraktion, um dem Pathos zu entgehen. So sieht man mehr interessiert als geschockt zu, wie die drei Geschwister den epileptischen Bruder Menuchim (Tino Hillebrand) ertränken wollen. Man sieht gerührt zu, wie der Vater Mendel Singer seinen Sohn füttert und versucht, ihm Worte zu entlocken. Vergebens, denn mehr als „Mama“ bringt Menuchim nicht heraus. Man staunt über die Stärke und Klarheit von Deborah Singer (großartig Regina Fritsch), die sich gegen ihren Mann auflehnt, der nur in seinen Schriften lebt und den der Glaube weltfremd macht.

Der eine Sohn will zu den Soldaten, die Tochter treibts mit den Kosaken. Mendel und seine Frau müssen raus aus Russland – die Notwendigkeit der Flucht lässt der Regisseur beiseite. Das Geld reicht nur, um einen Sohn mitzunehmen. Welchen mitnehmen? Welchen zurücklassen? Ab da vermisst man die Tragik, die diesem Roman innewohnt. Hier waltet eher der Zufall als ein schweres Schicksal. Menuchim bleibt unversorgt zurück – geht halt nicht anders. Der Sohn, den man nicht freikaufen kann, wird Soldat. Geht halt nicht anders.

Nach der Pause wachen alle in Amerika auf. Nun spult Michael Sturminger alle Amerika- und Flüchtlingsklischees durch. Ab da ist die Spannung draußen, man wartet nur auf das unglaubliche und unverhoffte Erscheinen Menuchims. Er ist dann kein Retter, sondern ein knochentrockener Karrierist. „Ich muss jetzt gehen. Ich habe gleich Orchesterprobe“, sagt er zu seinem Vater, der sein Glück noch gar nicht fassen kann. In dieser Szene verspielt Sturminger viele Chancen: Mendel Singer – noch ganz in der Rolle des Gottverleugners und Verzweifelten, erkennt Menuchim nicht sofort. Langsam dämmert ihm, wer vor ihm steht. Diese Szene müsste vor Spannung knistern (ähnlich wie die Erkennungsszene zwischen Elektra und Orest). Wenn sie daneben geht, weil zu banal, dann deswegen, weil alle – inklusive dem Regisseur – Angst vor Pathos haben. Aber wer sich an diesen Roman wagt, der muss Mut zum Pathos haben. Sonst wird’s nichts.

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Wer Zeit und Lesegeduld für fast 700 Seiten aufbringt, der wird mit einem spannenden Historientableau belohnt: In Izmir, das um die Jahrhundertwende noch den wundervoll klingenden Namen Smyrna trug, leben Griechen, Türken, Franzosen, Engländer und Deutsche zusammen. In der hochkultivierten Stadt gibt es Bars, Theater, Oper, Paläste von ehrwürdigen Familien, Villen Neureicher. Man liebt das Leben und genießt es.

Klara aus Berlin hat sich Peter aus Smyrna eingebildet. Schon bei der prunkvollen Hochzeit in Smyrna weiß sie, dass dieser brave Ehemann sie fürchterlich langweilen wird. Bald hat sie Affären, mischt in der Familie ordentlich auf. Als es zum Showdown kommt, sie geprügelt am Boden liegt, hilft ihr der armenische Arzt Sevan. Zwischen den beiden entsteht eine tiefe Liebe. In dem Haus der Granatäpfel auf einer kleinen Insel vor Smyrna finden die Zuflucht und Ruhe.

Die Liebesgeschichte ist der rote Faden, der die Leser wie am Nasenring durch die Wirren des Ersten Weltkrieges, den Kampf der Türken gegen die Griechen zieht. Man erlebt hautnah und brutal den Wahnsinn der Kriege, in dem der Nachbar plötzlich zum Feind wird, die Politiker ohne auf die Menschen Rücksicht zu nehmen, die einst so schöne Stadt in Schutt und Asche legen. Atatürk Kemal war es, der diese Stadt total zerstörte.

Lydia Conradi (Pseudonym) ist es gelungen, in dieses fast undurchschaubare Kriegsgeschehen, den Kampf zwischen Griechen und Türken, Klarheit zu bringen. Ihre Recherchen sind überwältigend genau.

Das Foto zeigt Elisabeth-Joe Harriet als Kaiserin Zita neben der Büste Kaiser Karls.

Ort: Hofmobiliendepot

Mitwirkende: Zita: Elisabeth-Joe Harriet. Gräfin Korff: Sylvia Reisinger

Konzept: Elisabeth-Joe Harriet

Stilgerecht begrüßt Gräfin Korff, die treue Gefährtin der kaiserlichen Familie, die Gäste. Man wartet auf das Erscheinen der Kaiserin Zita. Sie betritt langsamen Schrittes, ganz in Schwarz, auf einen Stock gestützt, den Raum. Mit mild-strengem Blick begrüßt auch sie die Wartenden. Als sie im typischen, leicht gezogenen Sprachduktus der damaligen Adeligen zu sprechen beginnt, ist man sofort von dieser nonnenhaft wirkenden Frau eingenommen und vergisst, dass hier nicht Zita erzählt, sondern eine Schauspielerin. Sie berichtet, ohne in romantisches Schwärmen zu geraten, von der ersten Begegnung mit Erzherzog Karl, der glücklichen Verlobungszeit und der Heirat 1911 auf Schloss Schwarzau. Romantische Schwärmerei war ja ihre Sache nie. Von ihren Eltern (Herzog Robert von Parma und Maria Antonia von Breganza) wurde sie schon als Kind zu Wohltätigkeit und Arbeit für die Armen erzogen. Luxus und Verschwendung waren ihr fremd, daher auch jeglicher Hang zu Romantik oder Hochmut.

Nach der Hochzeit hatte ihr Mann große Schwierigkeiten – so berichtet Zita – seine Friedensbemühungen bei Kaiser Franz Josef vorzubringen, da er nie zu den Militärbesprechungen hinzugezogen wurde. Er wusste aber schon sehr bald, dass Österreich den Krieg verlieren würde. Als er 1916 Kaiser wurde, bemühte er sich intensiv um einen Frieden. Die verhängnisvollen Friedensverhandlungen, die er diplomatisch ziemlich ungeschickt unter Umgehung seines deutschen Bündnispartners mit den Franzosen führte, streift Zita nur mit wenigen Worten und meint: Hätten die Verhandlungen geklappt, dann wäre der Zusammenbruch nicht so verheerend gewesen.

Gespannt verfolgt man die Darstellungen Zitas, die „ihren Karl“ auf allen Linien verteidigt. Ihre ungebrochene Treue zur Monarchie, ihr strenger Glaube und die Sorge um die Familie helfen ihr über die harte Zeit des Exils und den Tod Kaiser Karls hinweg. Nüchtern berichtet sie von den zahlreichen Übersiedlungen, von dem armseligen Leben in Funchal. Wo sie kann, hilft sie. Als Österreich nach dem 2. Weltkrieg hoffnungslos darniederliegt, sammelt sie in den Staaten Gelder. Sie ist fest überzeugt, dass Österreich das erste Opfer Hitlers war! Als Österreich von den Hilfsgeldern des Marshallplanes ausgeschlossen werden sollte, startet sie eine Überzeugungsfeldzug für das Land, das sie noch lange nicht einreisen ließ.

Als Zuschauer mag man für Zita vielleicht nicht die große Sympathie hegen, aber am Ende dieser spannenden und interessanten Performance bewundert man ihre Treue, ihren Einsatz für Österreich. Man hat Respekt vor dieser Frau, wie sie all die Schwierigkeiten meisterte, ohne je verbittert zu wirken. Und das, obwohl sie in der Republik lange Zeit nicht willkommen war und man der Familie Habsburg alle Besitzungen genommen hatte. Elisabeth-Joe Harriett war eineinhalb Stunden Zita. Man hörte ihr fasziniert zu und musste am Ende einen Schalter umlegen, um im Bewusstsein aus Zita wieder Elisabeth-Joe Harriet werden zu lassen.Am Ende teilt Zita ein Fotobild, das eine gewollte Ähnlichkeit mit katholischen Heiligenbildern hat, von ihrem geliebten und verehrten Kaiser Karl an alle Zuschauer aus. Ein kleines Lächeln ironisiert diese Geste ein wenig. Auf der Rückseite ist ein Ausspruch von Zita zu lesen: „Die Pflichten eines Christen besitzen mehr Gewicht als alle Privilegien der Geburt.“ für Zita mehr als ein Spruch, sondern ein Lebensgebot.

Info über weitere Termine

http://www.hofmobiliendepot.at

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Aus dem Amerikanischen von Sabine Roth

Besser wäre es, das Buch „Erzählungen aus dem Mittleren Westen“ zu nennen. Viele Einzelgeschichten werden aneinander gereiht, die sich nur lose durch die Figur der Schriftstellerin Lucy Barton zu einem Ganzen zusammenfügen.

Elizabeth Strout hat ihre treue Leserschaft, zu der ich nicht zähle. Nach der Lektüre dieses Buches auch nicht. Obwohl die Autorin mit zahlreichen Literaturpreisen ausgezeichnet wurde, konnte mich „Alles ist möglich“ nicht wirklich überzeugen. Zugegeben, das Milieu einer muffigen Kleinstadt, die überall in der Welt sein könnte, hat sie gut getroffen . Mir fehlt aber das wirklich einigende Band eines Romans. Dass Elizabeht Strout Figuren gut charakterisieren kann, steht außer Zweifel. Da ist zum Beispiel die Lehrerin Patty Nicely, die von ihren Schülern wegen ihrer Fettleibigkeit offen verspottet wird, oder der nette Schulwart Tommy Guptill. Er verlor seine Farm durch einen Brand, ist aber mit seinem Dasein als Schulwart dennoch zufrieden. Die beiden sind eine der wenigen positiven Figuren in diesem Buch. Die meisten versinken in ihrem Elend, werden gewalttätig oder depressiv. Mitleid, Liebe oder Lebensfreude – das sind Emotionen, die in diesem Buch fast nicht vorkommen. Die Menschen wissen gar nicht, dass sie durch Liebe oder Güte ein wenig Licht in ihr eigenes Leben bringen könnten. Sie sehen nur ihr persönliches Elend, das Strout manchmal mit fast voyeuristischer Genauigkeit schildert, wobei immer deutlich ihre Empathie mitschwingt.

Elizabeth Strout wurde 1956 in Portland, Maine geboren und lebt in Maine und New York City. Ihre zahlreichen Romane wurden in viele Sprachen übersetzt. http://www.randomhouse.de/luchterhand/

Nach der Übersetzung von Wolf Heinrich Graf von Baudissin, überarbeitet von Bruno Max

Der Regisseur Bruno Max: „Shakespeare, grausam und ehrlich.“ Dazufügen könnte man noch: Homers Ilias auf dumme Männerkriegsphantasien abgeklopft!

Die geniale Inszenierung von Bruno Max wird congenial unterstützt von Marcus Ganser, der ein Bühnenbild schuf, das heutige Kriegsschauplätze mit den antiken verbindet, und Alexandra Fitzinger, die passende Kriegs-Kostüme entwarf, und Gerhard Hradil, der das Kampftraining mit den Schauspierlern einstudierte. Nicht zu vergessen auch die situationsangepasste Musik von Fritz Rainer. Und natürlich:

Das einfach tolle Ensemble

das eine Spitzenleistung abliefert. Mit dem Shakespearetext können alle souverän umgehen, was nicht immer selbstverständlich ist, wenn ich an so manche Shakespeareaufführungen an anderen Bühnen denke. Wen soll man besonders hervorheben? Es fällt mir schwer, da alle in ihrer Rolle großartig sind und mit vollem Einsatz spielen.

Herrlich, wie die Kriegslust der Männer als nackte Angeberei und Dummheit entlarvt wird! Da brüllen sie vor Kampfgier und kommen mit blutiger Nase vom Kampfplatz zurück, da protzen sie mit Muskeln, da sprudeln Dummheit und Borniertheit nur aus den Köpfen heraus. Egal, ob im Lager der Griechen oder in der belagerten Stadt Troja – die Männer haben Schaum vor dem Mund und das Hirn ausgeschaltet. Und die Liebe zwischen Troilus und Cressida? – Sie wird durch den Krieg zerstört.

Mein Rat: unbedingt ansehen, aber vorher eine gute Inhaltsangabe der „Ilias“ von Homer lesen, denn dann versteht man die ironischen Seitenhiebe besser!

Aufführungen noch bis 02. Februar 2019.

Theater Scala-Ein Theater der TZF (Theater zum Fürchten)

http://www.theaterzumfuerchten.at/TheaterScala

Olga Schnitzlers Talkshow mit Hugo von Hofmannsthal

Elisabeth-Joe Harriet mangelt es nie an ungewöhnlichen Einfällen, wie man Literatur interessant und neu aufbereitet dem Publikum servieren kann. Wobei ich das Wort „servieren“ ganz bewusst wähle. Denn in der Caféhausatmosphäre des „Steigenberger Hotel Herrenhof“ in der Herrengasse 10 im Zentrum Wiens wird tatsächlich Literatur mit Kaffee, Likör und der Herrenhoftorte serviert. Letzteres natürlich in der Pause.

Interessante Form einer TalkshowDie Idee ist neu: Die Autorin Elisabeth -Joe Harriet schlüpft in die Rolle von Olga Schnitzler, der Ehefrau Arthur Schnitzlers. Zeitpunkt des imaginierten Gespräches: Hofmannsthal ist tot, Schnitzler ebenfalls. Es bleibt offen, ob Olga das Interview als noch im Exil Lebende führt oder ebenfalls schon gestorben ist. Eher ist die Ausgangslage so: Beide sind tot, wissen um ihren Tod, das Interview findet unter diesem Blickwinkel auf die Vergangenheit statt. Dabei wird immer wieder zwischen den Zeiten hin- und hergeswitcht. Das ergibt ein amüsantes Gedankenspiel zwischen Realität und Spiel, zwischen Gegenwart und Vergangenheit. Wobei die Gegenwart zwei Ebenen meint: Einmal die der Aktion – wenn Olga aus persönlichen Briefen und Tagebüchern vorlesen will, Hofmannsthal sich dagegen vehement wehrt. Olga aber weist darauf hin, dass bereits alles längst veröffentlicht ist. Dabei spielt die Autorin auch geschickt auf die zweite Ebene an : Die Indiskretion als Hauptantrieb in heutigen Talkshows. Im Wissen um das Schicksal beider Personen genießt das Publikum dieses Doppelspiel der Zeiten.

Ein wenig lang dehnt sich Olgas Befragung nach einzelnen Erfolgsstationen des Dramatikers Hofmannsthal aus. Da könnte man durchaus kürzen. Denn – um es unumwunden zuzugeben – spannend wird es gerade, wenn Olga auf Hofmannsthals Privatleben eingeht. Fragen nach seiner braven und gütigen Ehefrau Gertrud, die dazu da war, ihrem Dichtergatten das Alltagsleben zu erleichtern, nach seinen intensiven Freundschaften mit Männern, seinen Liebesbeziehungen – vielleicht rein platonisch – zu anderen Frauen. Hofmannsthal blockt all diese Fragen geschickt und empört ab. Olga setzt nicht nach. Schade, dachte ich.

Dass dieser literarische Nachmittag nicht in die Langeweile der heutigen weich gespülten Talkshows oder einer Deutschnachhilfestunde abgleitet, dafür sorgen die beiden Darsteller. Florian Sedivy in einer Hofmannsthal verblüffend ähnlichen Maske spielt den eitlen, begabten und sehr sensiblen – um nicht zu sagen „angrührten“ Dichterfürsten in Gestik und im typischen leicht raunzig-gezogenen Tonfall der Wiener Hautvolée um 1900. Harriet ist eine Dame, aber keine Salonière, aus dieser Zeit, mit deutlichen Attitüden einer forschen Interviewerin der Gegenwart.

Weitere Aufführungen: 10. Februar, 10. März, 14. April 2019, jeweils sonntags um 15h im Hotel Steigenberger Herrenhof.

Weitere Informationen:

http://www.elisabeth-joe-harriet.com

Opernübertragung aus der MET im Kino

Es war wieder eine der Sternstunden aus der Serie Met Opera. Unter dem sensiblen und detailreichen Dirigat von Gianandrea Noseda in der bekannten und bewährten Inszenierung von Sir David Vicar (die auch schon an der Wiener Staatsoper zu sehen war) sang Anna Netrebko die Rolle der Adriana Lecrouvreur mit einer Intensität, wie man sie in ihren Anfängen erleben konnte. Bewundernswert auch, wie sie in die Gestik und Mimik einer Schauspielerin des beginnenden 19. Jahrhunderts hineinschlüpfte, ohne je ins Peinliche zu gleiten. Als ihre Rivalin gestaltete Anita Rachvelishvili die Rolle mit Furor und toller Altstimme. Die beiden lieferten sich ein Gesangs- und Eifersuchtsduell der Sonderklasse!! Zwischen den beiden lavierte Piotr Beczala als Maurizio – perfekt in der Rolle zwischen des ein wenig aalglatten Verliebten und politischen Ehrgeizlings! Ambrogio Maestri war berührend als der treuherzige Theaterprinzipal.

http://www.metimkino.de

Die beste Liebesgeschichte seit Léon und Louise! Alex Capus ist ein Meister der subtilen Seelenschau. 

Es geht um die Frage, was Erzählen, Literatur im weitesten Sinn, kann.  Tina und Max führen seit 26 Jahren eine Ehe, die sich durch Streitlust und Diskussionsfreude frisch hält. Als sie auf einem Gebirgspass im Auto eingeschneit werden, erzählt Max eine „wahre Geschichte“, um die doch  bedrohliche Situation für Tina erträglicher zu machen.

Wir schreiben das Jahr 1779.Irgendwo in der deutsch-französischen-Schweizergrenzregion lebt der Viehhüter Jakob. Ins Tal kommt er nur, wenn Abtrieb ist. An so einem Tag sieht er Marie und Marie sieht Jakob. Die Liebe kommt über die beiden wie ein Naturereignis. Doch dem Vater Maries, einem reichen Bauern, ist die Liebe seiner Tochter zu dem „Alpentrampel“, wie er Jakob nennt, nicht recht. Jakob muss vor seinem Zorn fliehen, geht zum Militär. Die Jahre vergehen. Beide haben nur eines im Sinn: ein Wiedersehen. Wenn auch nur kurz. Wieder muss Jakob seine Marie verlassen. Prinzessin Elisabeth, die Schwester Ludwigs XVI., lässt ihn als Kuhhirt auf ihren Pseudobauernhof holen. Widerstand wäre zwecklos. Dort verlebt nun Jakob eine ruhige Zeit, die Revolutionswirren gelangen nicht bis zu dem Bauernhof. Doch er hat Sehnsucht nach seiner Marie. Prinzessin Elisabeth will, dass er glücklich ist. Deshalb lässt sie Marie holen. Die beiden heiraten, Marie erwartet ein Kind. Als der Königshof Versailles verlässt, ziehen sie heim ins Schweizer Grenzland, kaufen einen Bauernhof und leben glücklich.

Und Tina und Max? Der Schneepflug hat sie am Morgen mit Schnee zugeschüttet. Sie kriechen aus dem Auto und marschieren zu Fuß ins Dorf, wo sie von der Polizei aufs Kommissariat gebracht werden und wegen Verstoßes gegen das Straßenverkehrsgesetz verhört werden.

Alex Capus erzählt die Geschichte von Marie und Jakob in der Sprache der Märchen – schlicht und voller Poesie. Durch die Unterbrechungen in die Gegenwart der beiden im Auto Eingeschlossenen wird die Erzählung ironisch unterlaufen. Tina fragt immer wieder nach: Ist die Geschichte auch wahr? -Sie ist wahr im Augenblick des Erzählens. Wie alles wahr ist, was gut und zum richtigen Zeitpunkt erzählt wird.

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